Name: ジャクソン・ポロックに至るアートの道筋 (How Art Arrived At Jackson Pollock)
Uploaded: 2026-02-07T17:10:11.000Z
Duration: 6 min 56 s
Description: VoiceTubeの動画で発音を聞きながら英語表現を覚えよう！学べる英語：

When should you start the story of this painting?

この絵の物語はいつから始めるべきでしょうか？

Maybe here in Cezanne's studio at the close of the 19th century?

それとも19世紀末のセザンヌのアトリエでしょうか？

Or maybe the only place you can really find the genesis of this canvas is in Jackson Pollock's mine.

あるいは、このキャンバスの起源を本当に見つけられる唯一の場所は、ジャクソン・ポロックの鉱山にあるのかもしれません。

彼がディッピング・ドリッピングを始めた日です。

こういった疑問を抱かずにはいられません。

Because this painting, one, number 13, 1950, is the only abstract work of art that has ever floored me in person.

なぜなら、この絵、ワン、ナンバー13、1950年は、私が実際に見て圧倒された唯一のabstract work of artだからです。

As soon as my eyes caught it, it made me feel something.

目にした途端、何かを感じさせられました。

I don't know that I could describe the feeling, but

その感覚を言葉で説明できるかわかりませんが、

I didn't have to go searching for it either.

私もそれを探しに行く必要はありませんでした。

A problem I often have with non figurative paintings, where I'm standing in front of a canvas, trying to figure out the reaction I'm having to it, feeling guilty because nothing's coming.

non figurative paintings を前にして、自分がどう感じているのか、何も感じないことに罪悪感を抱きながら、その反応を理解しようとしている、という悩みを抱えることがよくあります。

I don't think the power of this Pollock depend on its place in the history of art.

このPollockの力は、美術史におけるその位置に依存しないと思います。

Its style, its use of color, its hyperactivity are intrinsic qualities.

そのスタイル、色彩の使い方、そして過剰なまでのエネルギーは、本質的な特質です。

But I do think the history of art has a lot to say through Pollock strip paintings, which he'd been making by this point for about four years.

しかし、この時点で彼が約4年間制作していたPollock strip paintingsを通して、美術史は多くのことを語ることができると私は思います。

In many ways, they're the culmination of something that has a foggy beginning about a century or two before.

多くの点で、それらは1〜2世紀前のぼんやりとした始まりを持つものの集大成なのです。

With the gradual end of church and noble patronage of the arts.

church and noble patronage of the arts が徐々に終わりを迎え、

And the dawn of painters painting what was important to them.

画家たちが自分にとって大切なものを描く時代が到来しました。

There's no fixed point where you could mark the beginning of modern arts.

modern arts の始まりを明確に特定できる地点はありません。

Some find it in this painting by Minet from 1863, with its flattened image and scandalous subject that flouted the values of the Paris Salon.

ある人は、1863年のマネのこの絵にそれを見出します。そこには平坦化されたイメージと、Paris Salonの価値観を嘲笑うようなスキャンダラスな主題があります。

And I think it's as good a moment as any.

そして、いつの時点でも良いと思います。

That year, fully 2/3 of submissions to the Salon were rejected.

その年、サロンへの出品の実に3分の2が落選しました。

And after a public outcry, Emperor Napoleon III authorized a second salon to feature them.

そして世論の非難を受けて、ナポレオン3世皇帝はそれらを展示するための第二のサロンを許可しました。

Called, appropriately, the Exhibition of Rejects.

当然ながら、Exhibition of Rejectsと呼ばれました。

それは非常に人気のあるイベントでした。

And though these paintings were criticized as much as they were praised, it marked a moment of legitimacy for art that stood outside the academy's hierarchy of quality.

そしてこれらの絵画は称賛されたのと同じくらい批判もされましたが、これはアカデミーの質の階層の外にあった芸術の正当性の瞬間を示しました。

Once the cat was out of the bag, things started moving very quickly.

一度火が付くと、物事は非常に速く動き始めました。

Less than 10 years later, Claude Monet and his compatriots launched into Impressionism, concerning themselves not with the objects they see in the world, but

10年もしないうちに、クロード・モネとその仲間たちはImpressionismに乗り出し、世界で見える物体ではなく、

光がそれらにどのように映るかに焦点を当てました。

Impressionism, in turn, starts a chain reaction of, well, reaction.

Impressionismは、その見返りに、まあ、反動の連鎖反応を引き起こします。

The Post Impressionists begin to dispense with the effects of light and the reality of color and paint according to subjective experience and emotional vision.

そして、Post Impressionistsたちは、光の効果や色の現実性をなくし、主観的な経験や感情的なビジョンに従って絵を描き始めます。

Then the Fauvists take the arbitrariness of color to Kaleidoscopic extremes in the first decade of the 20th century.

次に、Fauvistsたちは、20世紀の最初の10年で、色の任意性を万華鏡のような極限まで引き上げます。

I mean, just look at the transformation that's happened to painting.

つまり、絵画に起こった変化を見てみてください。

In just 40 short years, art has unraveled its centuries long aim of reproducing the physical world in perspective, color and form is rapidly being abandoned.

わずか40年足らずで、芸術は、遠近法、色、形で物理的な世界を再現するという何世紀にもわたる目標を解きほぐし、急速に放棄されつつあります。

Vasily Kandinsky, influenced by the Impressionists, by the Fauvist, by music and by the geometric spirituality of Theosophy, starts pulling away from representation entirely.

Vasily Kandinskyは、Impressionists、Fauvist、音楽、そしてTheosophyの幾何学的な精神性に影響を受け、完全に具象的な表現から離れ始めます。

In a groundbreaking book he writes, the more abstract is form, the more clear and direct its appeal.

彼は画期的な本の中で、形がより抽象的であるほど、その訴えはより明確で直接的になると書いています。

And in 1910 he paints this in which no objects from our world can be recognized at all.

そして1910年、彼は私たちの世界から一切認識できない物体を描いたこの絵を描きました。

これは完全に抽象的な最初の絵画です。

Except it turns out that Hilma Aufklint was actually painting abstracts at least three years prior to this.

ただし、Hilma Aufklintは、実際にはこれよりも少なくとも3年前にabstract work of artを描いていたことが判明します。

But no one knew that until many years later.

しかし、そのことは何年も経ってからしか誰も知りませんでした。

Meanwhile, Pablo Picasso and Georges Braque were shaking up painting in their own way by formalizing Cezanne's experiments with multiple perspectives into Cubism.

一方、パブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックは、セザンヌの多視点での実験をキュビスムとして形式化することで、それぞれ独自のやり方で絵画に革命を起こしていました。

The Cubists used geometry to show reality from many angles simultaneously.

キュビスムの画家たちは、幾何学を用いて現実を多くの角度から同時に表現しました。

Kandinsky takes inspiration from this, but is more interested in abstracting geometry from its representational source.

カンディンスキーはこの影響を受けますが、幾何学をその表象的な源泉から抽象化することに、より関心を持っています。

The sparks that fly from these investigations create several other movements.

これらの探求から飛び火した火花は、他のいくつかの運動を生み出します。

Futurism in Italy, De Stael in the Netherlands, Suprematism then Constructivism in Russia, Dada in Switzerland, and

イタリアの未来派、オランダのデ・ステイル、ロシアのスプレマティズム、そしてコンストルクティビズム、スイスのダダイズム、そして

eventually surrealism in the 1920s and 1930s.

1920年代、30年代にはシュルレアリスムへと発展していきます。

A key aspect of the Surrealist manifesto is the focus on automatic creation.

シュルレアリスムのマニフェストの重要な側面は、自動的な創造への注力です。

Writing or speaking without forethought as a way to access the unconscious mind.

無意識の心にアクセスする方法として、前もって考えずに書いたり話したりすることです。

Painters like Andre Masson applied this to the visual arts, letting ink run free across paper, creating fluid, dreamlike drawings prefiguring the work of Jackson Pollock.

アンドレ・マッソンなどの画家はこれを視覚芸術に応用し、インクを紙の上で自由に走らせ、ジャクソン・ポロックの作品を予見させるような、流動的で夢のようなドローイングを創り出しました。

As World War II ravaged Europe, several of the Surrealists and other European artists escaped to New York City and began to mix with a new school of American painters.

第二次世界大戦がヨーロッパを荒廃させる中、シュルレアリスムの画家や他のヨーロッパの芸術家たちはニューヨーク市に逃れ、新しいアメリカの画家たちと交流し始めました。

The Americans synthesized and reacted to all the various European styles.

アメリカの画家たちは、様々なヨーロッパの様式を統合し、それらに反応しました。

The Abstract Expressionists, as they were called, made work that was deeply personal, formally inventive and confrontational.

いわゆる抽象表現主義者たちは、深く個人的で、形式的に革新的で、挑戦的な作品を制作しました。

Exiled Surrealist Wolfgang Palin put it, paintings no longer represent.

亡命したシュルレアリスム画家ヴォルフガング・パーレンは、絵画はもはや何も表していないと述べました。

Today it has become the role of the painting to look at the spectator and ask him, what do you represent?

今日、絵画の役割は、鑑賞者を見て「あなたは何を表しているのですか？」と問いかけることになりました。

Pollock's drip paintings push abstraction to its furthest limit.

ポロックのドリッピング・ペインティングは、抽象化をその限界まで押し進めます。

Even in Kandinsky, lines still bound recognizable shapes.

カンディンスキーでさえ、線はまだ認識可能な形を境界づけていました。

In Pollock, there are no shapes, no suggestions to grab onto.

ポロックには、形がなく、掴まるような手がかりもありません。

The line itself dancing across the canvas is set free, containing nothing, separating nothing.

キャンバスの上で踊る線そのものが解き放たれ、何も含まず、何も分離しません。

There is no inside, no outside, nowhere for your eyes to rest.

内も外もなく、あなたの目が休まる場所もありません。

All that remains is energy, wild emotional energy that peers into you, not the other way around.

残るのは、あなたを覗き込む、荒々しい感情的なエネルギーだけです。

I think that's why I reacted so strongly to this painting in person.

だからこそ、この絵を実際に見た時に強く惹かれたのだと思います。

私を見つめ返してくるような感覚がありました。

You know, like I said before, these drip paintings have intrinsic value, but

先ほども言ったように、これらのドリッピング・ペインティングには本来の価値がありますが、

I also think they speak to something deep in human nature.

それ以上に、人間の本質に深く語りかけてくるものがあるとも思います。

That we are obsessive in the same way that we won't stop until we're flying among the stars.

私たちが、星々を飛び回るまで止まらないのと同じように、私たちも強迫観念にとらわれるということです。

It took less than a hundred years for this to become this.

これがこうなるまで、100年もかかりませんでした。

A fast changing world contributed hugely, of course.

もちろん、急速に変化する世界も大きく貢献しました。

But beyond that, I do believe there's a drive in us to take things as far as they can go.

しかしそれ以上に、物事を可能な限り推し進めようとする私たちの中の衝動があると、私は信じています。

And the Century of Modern Art is an exhilarating example of that.

そして、モダンアートの世紀は、その爽快な一例なのです。

It's just inspiring how irrepressible human creativity can be.

人間の創造性がどれほど抑えきれないものか、ただただ感動します。

ご視聴いただき、本当にありがとうございます。

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