Name: ゼア・ウィル・ビー・ブラッド — あるいは、どんな映画でも — 分析する一つの方法 (One Way To Deconstruct There Will Be Blood — Or Any Movie)
Uploaded: 2026-03-14T17:20:50.000Z
Duration: 7 min 22 s
Description: VoiceTubeの動画で発音を聞きながら英語表現を覚えよう！学べる英語：

基礎受動態

Whenever I want to learn how a movie is put together, one of the first things I do is get a pen and paper and just count the shots.

映画がどう作られているかを知りたいときは、まずペンと紙を用意して、ショット数を数えることから始めます。

程度の副詞

Seriously, it's not very technical and it's a bit tedious, but

正直、あまり技術的でもなく、少し面倒ですが、

just tallying every time there's a cut forces you to see things in a different way.

カットがあるたびに数えるだけで、物事を違った見方をするようになります。

It kills the illusion just enough that the nuts and bolts start to come into view.

それは、仕組みが目に映るように、イリュージョンをちょうどよく壊してくれるのです。

For example, let's take a look at Pete D. Anderson's There Will Be Blood.

例えば、ポール・トーマス・アンダーソン監督の『ゼア・ウィル・ビー・ブラッド』を見てみましょう。

Already by the third shot, I noticed a camera technique that would be used again and again throughout the film.

3カット目にして、映画全体で何度も使われることになるカメラの技法に気づきました。

Heavy emphasis on double and triple framing in single shots.

1つのショットの中に、ダブルやトリプルのフレーミングを多用しています。

Anderson and cinematographer Robert Elswit were clearly interested in making a movie comprised largely of long takes, but

アンダーソン監督と撮影監督のロバート・エルスウィットは、ロングテイクで構成された映画を作りたいと考えていたようですが、

they keep up the momentum by collapsing multiple shots into one.

複数のショットを1つにまとめることで、勢いを保っています。

Things never drag on or get too boring, which is definitely a consideration when your movie is two and a half hours long.

映画が2時間半もあることを考えると、決して退屈になったり、だらだらしたりすることはありません。

In fact, by the end of the fourteen and a half minute dialogue free introduction, I was struck by the length of the shots and by how few there actually were.

実際、14分半にも及ぶセリフなしの導入が終わる頃には、ショットの長さと、そのショットがどれだけ少ないかに気づかされました。

And 14 and a half minutes divided by 73 means that each shot on average was about 12 seconds long.

そして14分半を73で割ると、平均ショット長は約12秒だったことになります。

That's a really long average shot length by today's standard, and

これは今日の基準からすると非常に長い平均ショット長で、

something I wasn't expecting Anderson to keep up throughout the rest of the film.

アンダーソン監督が映画の最後までこれを続けるとは思っていませんでした。

This graph, by the way, showing that average shot lengths have decreased over the years, comes from the work of Barry Salt, who's been writing about film metrics since the 60s and 70s.

ちなみに、このグラフは、長年にわたって平均ショット長が減少していることを示しており、60年代、70年代から映画の指標について執筆しているバリー・ソルト氏の研究によるものです。

And if you want to dive deeper into metrics like these, I highly recommend visiting his website Cinemetrics, where all kinds of data is listed out for literally thousands of movies.

そして、このような指標についてさらに深く知りたい場合は、彼のウェブサイトCinemetricsを訪れることを強くお勧めします。そこには文字通り何千もの映画のあらゆる種類のデータがリストアップされています。

But I think the best insights come from doing the counting yourself.

しかし、最も良い洞察は、自分で数えることから得られると思います。

For example, one of the things that occurs to you watching There Will Be Blood like this is that the value of a simple cut increases as the number of cuts decreases.

例えば、『ゼア・ウィル・ビー・ブラッド』をこのように観ていると、カット数が減るにつれて、単純なカットの価値が増すということに気づかされます。

It's amazing how impactful a cut can be when you're not watching them happen at breakneck speed.

カットが猛烈な速さで起こっているのを見ていないとき、カットがいかにインパクトのあるものになるかは驚くべきことです。

I don't mean to say that films with more cuts are necessarily worse or better, just that a movie like There Will Be Blood finds a lot of power in a common cinematic device.

カットが多い映画が良いとか悪いとか言っているわけではなく、『ゼア・ウィル・ビー・ブラッド』のような映画が、一般的な映画的技法から多くの力を引き出しているということです。

It's in stark relief to the audience and there's a lot of a big spotlight on.

それは観客にとって鮮明な対比となり、大きなスポットライトが当たります。

ここで、別のことをお伝えします。

With so few cuts, as Tikonor says, the contrast of each is dialed up considerably and Like Daniel Plainview, Anderson and Ticanor mine that contrast for meaning.

カットが非常に少ないため、ティコナーが言うように、それぞれのコントラストが大幅に高まり、ダニエル・プレインビューのように、アンダーソンとティカナーはそのコントラストから意味を引き出しています。

A lot of times it's literal cutting between dark frames and bright frames or loud moments and quiet ones.

多くの場合、それは暗いフレームと明るいフレーム、あるいはうるさい瞬間と静かな瞬間を文字通りカットすることです。

Just a quick side note, this sequence right here, by the way, shots 256 to 263 are the quickest cutting in the film by far.

ちょっとした余談ですが、このシーケンスは、ショット256から263にかけて、これまでのところ映画の中で最も速いカッティングです。

Anderson used so few shots that Tickenor had to find ways to artificially add more cuts to build up the momentum of this moment.

アンダーソンはショットを非常に少なく使ったため、ティケナーはこの瞬間の勢いを高めるために、人工的にカットを増やす方法を見つけなければなりませんでした。

You can actually see that shots 258 and 260 are just alternate angles of the shots that came before them.

ショット258と260は、それ以前のショットの別アングルであることがわかります。

いずれにしても、とても良い編集です。

他の時には、コントラストは個人的なものです。

If you wanted to suggest that two characters were different sides of the same coin, for example, arch rivals, but

例えば、二人のキャラクターがコインの裏表のような存在、つまり宿敵であることを示唆したい場合、

必要なのは2つのショットだけです。

One tracking into a character mumbling to himself bathed in light.

一つは、光を浴びて独り言を言うキャラクターにイン。

Another tracking out from a character mumbling to himself covered in shadow.

もう一つは、影に覆われて独り言を言うキャラクターからアウト。

What I realized after a while is that there's a domino effect.

しばらくして気づいたのは、ドミノ効果があるということです。

Longer takes mean more impactful cuts mean more attention to composition.

ロングテイクは、よりインパクトのあるカットを意味し、より構図への注意を意味します。

If you want your framing to mean something, then your cuts have to mean something.

フレーミングに意味を持たせたいなら、カットにも意味を持たせる必要があります。

Because the cut is where the viewer really sees the framing.

なぜなら、カットこそが視聴者がフレーミングを本当に見る場所だからです。

And they see it with a fresh memory, almost an afterimage of a the frame that came before.

そして、視聴者は直前のフレームの残像のような、鮮明な記憶でそれを見るのです。

時には、それは実際の記憶でもあります。

And if you want your cuts to mean something, then you have to use them sparingly and with care.

そして、カットに意味を持たせたいなら、それらを控えめに、注意深く使う必要があります。

Every single shot is filled with a kind of anticipation because these cuts are registered consciously on the viewer's mind.

カットは視聴者の心に意識的に認識されるため、すべてのショットに一種の期待感が満ちています。

We're all waiting for the next one to come.

私たちは皆、次に来るものを待っています。

ここにあるものはすべてなくなってもいいのですか？

T.T. anderson knows that anticipation is just a form, form of focus.

T.T.アンダーソンは、期待感は単なる集中の一形態であることを知っています。

And he's great at channeling that heightened focus toward the performances.

そして、彼はその高まった集中力を演技に注ぎ込むのが得意です。

When you have an actor as magnetic as Daniel Day Lewis, the longer the take, the more you hang on his every word and pause.

ダニエル・デイ＝ルイスのようにカリスマ性のある俳優がいる場合、テイクが長ければ長いほど、彼の言葉や間の一つ一つに引き込まれます。

私は人々の最悪な面を見てしまう、ヘンリー。

I don't need to look past seeing them to get all I need.

彼らを見るだけで、必要なものはすべて得られます。

Watching this movie, I noticed that conversations like this are the place with the most frequent editing on average.

この映画を見ていて、このような会話が最も頻繁に編集される場所だと気づきました。

ショット、リバースショットの必要性です。

しかし、ここでもすべてが意図的です。

This sequence, for example, is 16 shots in three and a half minutes.

例えば、このシーケンスは3分半で16ショットです。

Ticanor holds firm on the wide until Eli makes the key comment.

ティカナーは、イーライが重要なコメントをするまで、ワイドショットを維持します。

一体何があなたをここに導いたのですか、旦那様？

Now, of course, within that are we're gonna develop a lease.

もちろん、その中でリースを開発していきます。

He cuts in, but only a little, while Daniel thinks he's still dealing with the father.

彼は少しだけカットインしますが、ダニエルはまだ父親と話していると思っています。

そして、それが明らかになったら。

イーライが主な交渉相手です。

The scene locks on close ups as they battle back and forth, and

彼らが激しくやり取りする間、シーンはクローズアップに固定され、

though I don't know for sure, it looks a lot like Ticanor extended the silences here to augment the intensity.

確信は持てませんが、ティカナーは激しさを増すためにここで間を伸ばしたように見えます。

Giving the shots breathing room on both sides of the dialogue.

セリフの前後でショットに息抜きを与えています。

Far from making the scene drag dials up the emotion considerably.

シーンを長く感じさせるどころか、感情をかなり高めています。

This is something Anderson does throughout the film.

これはアンダーソン監督が映画全体を通して行っていることです。

Close ups are used again and again for moments of silence, just as much for important pieces of dialogue.

クローズアップは、重要なセリフの瞬間だけでなく、静寂の瞬間にも繰り返し使われています。

Pete Anderson, like the Coen brothers, is great at casting for faces, and

ピート・アンダーソンは、コーエン兄弟のように、顔でキャスティングするのが得意で、

he wants us to watch them as much as listen.

私たちに聞くだけでなく、見ることも求めています。

And of course he wants us to watch Daniel Plainview the most, who corrodes with bitterness across a series of close ups, even as he finds success in the solitude that he craves.

そしてもちろん、彼は最もダニエル・プレインビューを見てほしいと思っています。彼は、渇望する孤独の中で成功を見出す一方で、一連のクローズアップを通して、苦々しさで腐敗していきます。

I drink the blood of lamb from Bandage tract.

バンテージ・トラクトの羊の血を飲む。

There are 678 shots and there will be blood over two and a half hours.

2時間半の「ゼア・ウィル・ビー・ブラッド」には、678のショットがあります。

That means that each shot is 13.3 seconds on average, more than the introduction.

つまり、1ショットあたりの平均時間は13.3秒で、導入部よりも長いです。

The movie is remarkably consistent on this front.

この映画は、この点において驚くほど一貫しています。

Each hour or half hour taken alone will average somewhere around 12 to 14 seconds.

1時間または30分を単独で見ると、平均して12秒から14秒程度になります。

Maybe this is what gives the movie its steady but unrelenting pace, the feeling that you're watching a train you can't stop.

これが、この映画に揺るぎない、しかし容赦のないペース、止めることのできない列車を見ているような感覚を与えているのかもしれません。

There are tons of ways to deconstruct a movie, but

映画を分解する方法はたくさんありますが、

it's amazing what you can learn just from looking at the shots one by one as they go by.

次々と流れていくショットを一つ一つ見ていくだけでも、どれだけ多くのことを学べるかというのは驚くべきことです。

For many of us, loving a film means wanting to know how it works with the spirit of an engineer.

私たち多くの者にとって、映画を愛するとは、エンジニアの精神でそれがどのように機能するかを知りたいと思うことです。

We take it apart, twist it, turn it, bend it, and put it back together.

それを分解し、ひねり、回し、曲げ、そして元に戻します。

少なくとも、そうしようとします。

A great movie will never give up all its secrets, but it will give up some of them.

素晴らしい映画は決してすべての秘密を明かすことはありませんが、その一部は明かしてくれます。

This episode was brought to you by the Great Courses Plus.

このエピソードは、The Great Courses Plusがお届けしました。

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その後、年額会員は月額14.99ドル、月額会員は月額9.

皆さん、ありがとうございました。