Name: なぜ多くの画家は上達をやめてしまうのか (Why Most Painters Stop Improving)
Uploaded: 2026-03-09T23:43:32.000Z
Duration: 13 min 19 s
Description: VoiceTubeの動画で発音を聞きながら英語表現を覚えよう！学べる英語：

There's one big reason why most people who try to learn to paint end up getting stuck.

絵を学ぼうとする人の多くが、行き詰まってしまうのには、大きな理由が一つあります。

You could be painting for years and never progress if you don't figure out this one thing.

この一つのことを理解しないと、何年も絵を描いていても上達しないかもしれません。

To get better at painting, we need to get better at seeing.

絵が上手くなるためには、見る目を養う必要があります。

And to get better at seeing, we need to find new ways to look at the world.

そして、見る目を養うためには、世界を新しい方法で見つめる方法を見つける必要があります。

But how do we actually get better at seeing?

では、具体的にどうすれば見る目を養うことができるのでしょうか？

それは一体どういうことなのでしょうか？

Well, when we're painting from observation, I think that there are three levels of seeing.

さて、観察による絵画制作において、見る目には3つのレベルがあると考えています。

And there are many different mental models that can get organized on any of these levels.

そして、これらのどのレベルにも、多くの異なるメンタルモデルを整理することができます。

A mental model is what I would just call a tool.

メンタルモデルとは、私がツールと呼ぶものです。

And it's a tool that we use to see the world.

そして、それは世界を見るために使うツールなのです。

An absolute beginner will approach the world naively.

絶対的な初心者は、世界を無邪気に捉えます。

They don't even know what they're looking at, can be organized into shapes of color.

何を見ているのかさえ分からず、色の形に整理されるだけです。

They don't even know what a plumb line is.

プラムラインが何かも知りません。

They just look at the world and they draw it without any sort of understanding of how to actually organize it visually.

ただ世界を見て、それを視覚的に整理する方法を全く理解せずに描いてしまうのです。

Because what we're seeing is fundamentally visual information.

なぜなら、私たちが目にしているものは、根本的にビジュアル情報だからです。

The challenge when we're painting realistically is to take this visual information, to be able to understand it, and

写実的に描く上での課題は、このビジュアル情報を理解し、

then to restate it on a two dimensional surface in hopefully a nice painting.

そして、できれば素晴らしい絵画として二次元の画面に再表現することです。

When we're painting from observation, there is a naive level, which is just the level of being an absolute beginner that doesn't know up from down or blue from orange.

観察による絵画制作には、初心者レベルがあります。これは、上下も青とオレンジも区別できない絶対的な初心者のレベルです。

Then there is a pretty wide intermediate level, which most people get stuck at.

そして、ほとんどの人が行き詰まる、かなり広い中間レベルがあります。

That is what I consider to be the analytical stage.

それが、私が分析的段階と考えるものです。

The analytical stage of observational painting is when you can observe what you see and you can ask and answer simple questions.

観察による絵画制作における分析的段階とは、見たものを観察し、簡単な質問をしたり答えたりできる段階のことです。

この幅は、この高さよりも大きいですか？

Is this value darker or lighter than this value?

この階調は、あの階調よりも暗いですか、それとも明るいですか？

Does this shape look like the shape I'm drawing?

この形は、私が描いている形に似ていますか？

These are all very simple tools where you can analyze small bits of information at a time.

これらはすべて、一度に小さな情報を分析できる非常にシンプルなツールです。

Shapes of color, plumb lines, comparative measurement.

色の形、プラムライン、比較測定。

All of these things probably sound pretty familiar because they're pretty common tools.

これらはすべて、かなり一般的なツールなので、おそらくかなり聞き覚えがあるでしょう。

Adjacent to the analytical stage is conceptual painting.

分析的段階に隣接するのが、概念的絵画制作です。

I want to make a distinction when we're painting from observation or when we're painting conceptually.

観察から描く場合と、概念的に描く場合とで、区別をつけたいと思います。

Painting conceptually would be conceptually understanding how value turns with a sphere, how value turns with the form, and

概念的に描くということは、球体で階調がどのように変化するか、フォルムで階調がどのように変化するかを概念的に理解することです。

そして、それをあなたの対象物に見つけます。

Conceptual painting would be understanding the construction of simple shapes in a still life or the construction of perspective when you're drawing a building.

概念的絵画制作とは、静物における単純なフォルムの構造、あるいは建物を描く際のパースペクティブの構造を理解することです。

These are ideas that we understand more abstractly.

これらは、より抽象的に理解するアイデアです。

These conceptual ideas are useful in as much as they make us understand and see things a little bit more.

これらの概念的なアイデアは、物事をより理解し、より多く見ることを可能にする限りにおいて役立ちます。

But I would say that there are some people at different styles of art who they take these conceptual ideas and then they run with it.

しかし、アートのさまざまなスタイルの人々の中には、これらの概念的なアイデアを取り入れて、それを推し進める人もいると言えるでしょう。

They run so far that they end up making paintings that don't even look like anything that they're doing.

彼らは、自分がやっていることとは似ても似つかない絵画を作るようになるまで、それを推し進めます。

So you got to be careful, or you just have to know what type of painter you want to be.

ですから、注意が必要ですし、自分がどのような画家になりたいのかを知る必要があります。

However, I think that there is a level beyond all those analytical tools.

しかし、それらの分析的ツールすべてを超えたレベルがあると思います。

The analytical tools are generally very simple questions and answers.

分析的ツールは、一般的に非常に単純な質問と回答です。

The widths, the values, hue, saturation, value.

幅、階調、色相、彩度、階調。

Those types of tools, those types of mental models are all very, very useful.

これらのツール、これらのメンタルモデルは、すべて非常に、非常に役立ちます。

しかし、リターンは逓減していきます。

分析的ツールだけを持っている場合。

We can only be so efficient at taking that information in and then translating it.

その情報をインプットして、それを変換する効率には限界があります。

People get stuck at painting because they are only thinking about what shape and what color am I looking at?

人々は、どんな形、どんな色を見ているのだろうか、ということばかり考えて絵画で立ち止まってしまいます。

And when they're stuck at that stage, their paintings never get this deep, refined look to them.

そして、その段階で立ち止まってしまうと、絵画には深みや洗練された見た目が決して生まれません。

That you see when you look at master paintings.

それは、巨匠の絵画を見たときに感じるものです。

But you still wonder, how do you even get there?

しかし、それでも疑問に思うでしょう、どうすればそこにたどり着けるのか？

This next stage after the analytical stage of painting.

絵画の分析的段階の次の段階。

Is what I would call the intuitive stage.

それは私が直感的段階と呼ぶものです。

それは具体的にどういう意味なのでしょうか？

It means painting from observation more by feeling rather than measurement or analysis.

それは、測定や分析ではなく、感覚によって観察から描くということです。

That feeling that you get when you're looking at your painting and something's just not quite right.

自分の絵を見ていて、何かが少し違うと感じる、あの感覚のことです。

その感覚を育むことができます。

And hopefully, over time, we can become more sensitive to it.

そして、時間をかけて、それに敏感になれることを願っています。

And we can let that guide us through our painting.

そして、それが絵を描く上での指針となるようにしましょう。

But we need to do it through observation.

しかし、それは観察を通して行う必要があります。

We need to do it by becoming more sensitive to what we actually see and what we actually look for.

実際に見ているもの、探しているものに、より敏感になることで行う必要があります。

For example, if we are drawing a landscape.

例えば、風景を描いているとします。

And there is a certain type of foreshortening.

そして、ある種の遠近法があります。

A certain type of perspective within the landscape.

風景の中にある、ある種のパースペクティブです。

We could try to get that landscape with a bunch of shapes.

その風景を、たくさんのフォルムで捉えようとすることができます。

Or if we're more advanced, we get through that shape stage.

あるいは、もっと進んでいれば、そのフォルムの段階を通り抜けることができます。

And we're now talking about smaller and smaller refinements in the drawing and the value and the color.

そして、描画や階調、色の、より小さな、より細かい調整について話しているのです。

All these little tiny things that would be really hard to pick up on.

拾い上げるのが本当に難しい、これらの非常に小さなことすべて。

もし私たちがただ集中しているなら。

On these, like, more cumbersome shapes, angles, these types of analytical methods of drawing and painting.

こうした、やや扱いにくいフォルムや角度、こうした種類の分析的段階の描画や絵画制作に。

However, if we can look at the landscape and we can really pay attention to just exactly how the fields are starting to roll over.

しかし、風景を見て、畑がどのように傾き始めているかに本当に注意を払うことができれば。

And how the trees are starting to recede in the distance.

そして木々が遠くに後退し始めている様子を。

And we're looking very closely and very carefully at what we're seeing in front of us.

そして目の前で何を見ているのかを、非常に注意深く、注意深く見ているのです。

Then we switch to our painting and our painting.

それから、私たちの絵画、そして絵画制作へと移行します。

It's gotten pretty far because we have to get through the blocking stage, the analytical stage.

このブロッキング段階や分析的段階を乗り越えなければならないので、かなり進んでいます。

Of the general relationships of color, the big impression working large to small, and so on.

色の全体的な関係性、大きなものから小さなものへと働く大きな印象などについてです。

But it's not all just work large to small.

しかし、それはすべて大きなものから小さなものへと作業するだけではありません。

At a certain point you have to capture a specific structure.

ある時点で、特定の構造を捉えなければなりません。

And if you can't observe that structure in nature, then you're not going to be able to recreate it within your painting.

そして、自然の中でその構造を観察できなければ、絵画の中でそれを再現することはできません。

This is all about looking closer and looking deeper and trying to take more information in, in a different way than just these haphazard, choppy tools of measuring and shapes and alignments and values and hues and all that stuff.

これはすべて、測定や形、配置、階調、色相といった、こうした無作為で断片的な道具とは違う方法で、より注意深く、より深く見て、より多くの情報を取り込もうとすることなのです。

That stuff is great for the blocking stage, but it won't take you far.

それはブロッキング段階には最適ですが、それだけでは遠くまで行けません。

ポートレートでは、これはどう見えるでしょうか？

Well, in portraiture, in the naive stage, we get stuck at drawing stick figures.

さて、ポートレートでは、素朴な段階で、私たちは棒人間を描くのに苦労します。

We get spaghetti hair, we get football shaped eyes and like a triangle shaped nose.

髪の毛はスパゲッティみたいになり、目はサッカーボール型、鼻は三角形みたいになります。

We basically draw like a 5 year old because we have no idea how to even describe what we see visually.

なぜなら、私たちが視覚的に見ているものをどう表現すればいいのか全く分からないので、基本的に5歳児のように描いてしまうからです。

次に、分析的段階に入ります。

We figure out shapes of color, we figure out alignments, we figure out positive shapes, negative shapes.

色の形、配置、ポジティブシェイプ、ネガティブシェイプを把握します。

Trying to think of things sculpturally, that's starting to transition from the analytical into the intuitive.

彫刻的に物事を考えようとすることは、分析的段階から直感的段階への移行の始まりです。

When we can start thinking three dimensionally, we start asking ourselves, does the form feel solid?

三次元的に考えられるようになると、「フォルムはしっかりしているか？」と自問し始めます。

Do I feel the same solidity within the model, within my picture?

モデルの中、絵の中にも同じような堅牢さを感じられるでしょうか？

There is a really great quote by John Singer Sargent and it's from his biography two years after he died.

ジョン・シンガー・サージェントの素晴らしい言葉があります。亡くなって2年後の伝記からの引用です。

This line describes Sargent when he was teaching at the Royal Academy for a short stint.

この一節は、サージェントが王立美術アカデミーで短期間教えていた頃の彼を描写しています。

On one occasion in the Evening Life School, I well remember Sargent complaining that no one seemed concerned about anything more than an approximate articulation of the head a upon the neck and shoulders.

ある時、イブニング・ライフ・スクールで、サージェントが、首や肩と頭部のあいまいな繋がり以外には誰も何も気にかけていないように見えると不満を漏らしていたのをよく覚えています。

Sargent didn't just care about making juicy brushstrokes that were just the right shape in the right spot.

サージェントは、ただ適切な場所に適切な形の、みずみずしい筆致を作るということだけを気にかけていたのではありません。

He actually cared about the structure and the construction of a sitter and the head, how it fits to the neck and onto the shoulders.

彼は実際に、モデルの構造や、頭部が首や肩にどう収まっているか、その構造や構築を気にかけていました。

And beyond Sargent, when I look at other old masters like Velasquez or Ribera or Van Dyck, when I look at their paintings, the sensation that I get from those paintings is a feeling of flesh and bones.

そしてサージェントを超えて、ベラスケスやリベラ、ヴァン・ダイクのような他の巨匠たちを見ると、彼らの絵画を見たときに私が得る感覚は、肉体と骨格の感覚なのです。

I think those people were actually looking at how a person's face connected into their bones.

私は、あの画家たちは実際に人の顔が骨格にどう繋がっているかを見ていたのだと思います。

How the paint that they were putting on their canvas, did that actually recreate the sensation of living flesh in front of them?

彼らがキャンバスに置いていた絵の具は、目の前の生きた肉体の感覚を実際に再現できていたのでしょうか？

This can be applied to painting anything.

これはどんなものを描くにも応用できます。

私は大理石をたくさん描きます。

When I start a painting of a marble sculpture, I'm looking for the initial analytical stuff in the beginning, for the block.

大理石の彫刻の絵を描き始めるとき、私は初めに、ブロックのための初期の分析的な部分を探します。

And of course, I'm blocking in the values.

そしてもちろん、階調をブロックインしていきます。