Name: ルース・アサワ：常に創作し続けたアーティストのドキュメンタリー | HOW TO SEE (Ruth Asawa: documentary on an artist who worked every minute | HOW TO SEE)
Uploaded: 2026-02-06T05:44:59.000Z
Duration: 16 min 25 s
Description: VoiceTubeの動画で発音を聞きながら英語表現を覚えよう！学べる英語：

程度の副詞

Ruth Asawa is an artist whose generosity of spirit really comes through in her work.

ルース・アサワは、その精神的な寛大さが作品に本当に表れているアーティストです。

She offers kind of model for how to see the world.

彼女は世界を見るための、ある種のモデルを示しています。

再帰代名詞

Asawa herself said that everything is connected, continuous.

アサワ自身は、すべては繋がっていて、連続的だと語っています。

If you zoom out and you look at Asawa's nearly six decade career, you find the sense of boundarylessness between art and life.

アサワの60年にわたるキャリアを大きく見ると、芸術と人生の間に境界線のなさが見えてきます。

Really everything and anything was on the table for art.

本当に、あらゆるものが芸術の検討対象でした。

My parents moved here when I was one in 1960, so I know where all the light switches are.

私の両親は私が1歳の1960年にここに移り住んだので、電気のスイッチがどこにあるか全て知っています。

彼女はここでたくさんの作品を作りました。

Her long looped wire pieces hung right from that beam.

長くループ状のワイヤー作品は、まさにあの梁から吊るされていました。

And it was convenient because if she had five or 10 minutes, she could also watch what's cooking at the same time as she was working on her sculptures.

そして、5分か10分でも時間があれば、彫刻を制作しながら料理の様子も見ることができたので、とても便利でした。

彼女は常に動き回っていました。

You see her running to the back of the truck, throwing in the milk carton structure and then driving off the hill.

彼女がトラックの後部に走り寄り、牛乳パックの構造物を積み込み、丘を走り去るのを見たものです。

それが彼女をよく表しています。

I've never met anyone who worked harder than her in my life.

私は人生で彼女ほど懸命に働く人には会ったことがありません。

I've always been interested in the narrative, in the story of her life.

私は常に物語、彼女の人生のストーリーに興味を持ってきました。

She was born to Japanese immigrant parents.

彼女は日系移民の両親のもとに生まれました。

So wake up, have breakfast, go work in the fields, come back in, change your clothes, go to school, come back home, change her clothes again, go back into the fields, work until dark.

起きて、朝食を食べて、畑に出て働き、戻ってきて着替え、学校に行って、家に帰って、また着替えて、畑に戻って、暗くなるまで働く。

The great benefit of that is that she really lived in nature and she understood cycles of nature.

それが彼女の大きな利点だったのは、彼女は本当に自然の中で暮らし、自然のサイクルを理解していたからです。

Sunrise, planting, growth, harvest, decay, composting, and then sunset.

日の出、植え付け、成長、収穫、枯れ、堆肥化、そして日没。

そして、それがまた繰り返されるのです。

And that kind of went on until she was 15, when Japan bombed Pearl Harbor.

そして、日本が真珠湾を攻撃した15歳になるまで、それが続きました。

In two months, her father was taken by the FBI.

2ヶ月後、彼女の父親はFBIに連行されました。

And then in two months more, her mother and the rest of her siblings, they were incarcerated.

そしてさらに2ヶ月後、彼女の母親と残りの兄弟姉妹は収容されました。

そして、みんなで団結しました。

All of the college students and professional people also in turn were the Disney animators.

大学の学生やプロの人たちも、順番にディズニーのアニメーターになりました。

And so she got to draw with practicing artists for the first time.

それで、彼女は初めて、練習中のアーティストたちと一緒に描くことができるようになったのです。

そして、彼女は農作業をしなくてよくなりました。

This was my first experience with it in a serious way, of how an artist works.

これが、アーティストがどのように仕事をするのか、真剣に体験した初めての機会でした。

So in 1946, Ruth Asawa arrived at Black Mountain College, which was a multi disciplinary experimental college in North Carolina.

1946年、ルース・アサワはノースカロライナ州の学際的な実験大学であるブラックマウンテン・カレッジに到着しました。

It was really at Black Mountain that she felt she first learned how to see.

ブラックマウンテンで、彼女は初めて「見る」ことを学んだと感じたのです。

You worked in your jeans during the day and worked on the farm, and

日中はジーンズで作業し、農場で働きました。

you went to your class and you studied and you talked and you argued with your teachers.

そして、授業に出席し、勉強し、先生たちと話し、議論しました。

And then at night, the teachers and the students performed together and they ate together.

そして夜になると、先生と生徒たちは一緒にパフォーマンスをし、一緒に食事をしました。

The faculty that summer was Joseph Albers, eventually Merce Cunningham.

その夏の教員陣には、後にマース・カニングハムとなるジョセフ・アルバースがいました。

バックミンスター・フラーもやって来ます。

そして、彼女の人生はすべて一変しました。

Black Mountain really influenced my whole approach.

ブラックマウンテンは私の考え方に大きな影響を与えました。

When Albers gave a class saying paper, you weren't talking about going from paper, which is not very important, and

アルバースが紙についての授業をしたとき、あなたは重要ではない紙から始め、

Next you go into glass, and the next you go to wood.

次にガラスへ、そして木材へと進むことについて話していたわけではありません。

And then finally you graduate to plastics, because that's sort of the modern material.

そして最終的にはプラスチックへと進みます。それが現代の素材だからです。

But we always went from paper to paper to paper to paper, to make paper do what it hasn't done yet.

しかし、私たちは常に紙から紙へと、紙にまだできていないことをさせるために、紙から紙へと進んでいきました。

What he was talking about was abstracting from the material.

彼が話していたのは、素材から抽象化することでした。

Rather than being concerned with your own design ideas and forcing something into it.

自分のデザインのアイデアを気にして、それに何かを押し込めるのではなく。

What you do is you become backbone, just like a parent allows the child to express himself, and

あなたがやることは、親が子供に自分自身を表現させるように、あなたは背骨となり、

親が支えるようになるのです。

During this time at Black Mountain, ASOA really begins to explore the potential of these everyday materials.

ブラックマウンテンでのこの時期、アサワはこれらの日常的な素材の可能性を本当に探求し始めます。

Gathering leaves and turning them into compositions.

葉を集めて、それを構成作品に変えます。

She uses a laundry stamp from the school, school's laundry room, inscribed with the school's initials, BMC While a student at Black Mountain, Asawa spent one summer teaching in Toluca, Mexico.

彼女は学校のランドリールームにあった、学校のイニシャルが刻印されたランドリースタンプを使いました。ブラックマウンテンの学生時代、アサワはメキシコのトルーカで一夏教鞭をとりました。

She happened upon a wire basket in a crafts market.

彼女は工芸品市場でワイヤーバスケットに出くわしました。

She asked a local craftsperson to teach her the technique, which she then adapted.

地元の職人にその技術を教えてもらい、それを応用しました。

She also really understood baling wire and chicken wire and galvanized wire.

彼女はまた、梱包用ワイヤー、鶏小屋用ワイヤー、亜鉛メッキワイヤーもよく理解していました。

She was tying things up to fence, she was repairing crates.

柵を作るために物を縛ったり、木箱を修理したりしていました。

Wire is like the most logical thing for her to become fascinated with.

ワイヤーに魅了されるのは、彼女にとって最も自然なことでした。

Asawa's most consequential contribution to the history of art in the 20th century is a formal innovation that she makes around 1951, which she calls the continuous form within a form.

20世紀のアート史におけるアサワの最も重要な貢献は、1951年頃に彼女が「連続的な形態の中の連続的な形態」と呼んだ形式的な革新です。

The surface that develops from the bottom up, always begin from the inside and then go on up, then doubles back on itself.

下から上に展開する表面は、常に内側から始まり、上に進み、そして自分自身に戻ります。

And then it becomes the inside surface of the next form to form another sphere around.

そして、次の球体を形成するために、内側の表面になります。

中央のものがここにあります。

And then it comes and comes out and surfaces and then goes in again and comes out again and comes around so that this is a continuous surface.

そして、出てきて表面に出て、再び中に入り、再び出てきて周回するので、これは連続的な表面になります。

One of the radical inventions of modern sculpture was to remove it from the pedestal.

現代彫刻の革新的な発明の一つは、台座から彫刻を取り除くことでした。

In the case of Asawa, this meant suspending it in space.

アサワさんの場合、それは空間に吊るすということでした。

They're responsive to light, to motion, to air currents, to the exchange that you have with your body and them.

それらは光、動き、空気の流れ、そしてあなたと作品とのやり取りに反応します。

She says that she can make forms with a line that doesn't steal the air from anyone.

彼女は、誰も息苦しくさせない線で形を作ることができると言っています。

彼女は全てのループを自分で作りました。

And you have to look closely to really see how they're made.

そして、どのように作られているのかを本当に理解するには、よく見る必要があります。

And then once you do that, you say, oh, my God, what was she thinking?

そうすると、「神様、彼女は何を考えていたんだろう？」と思うでしょう。

And she's just this relentless Experimenter.

彼女はまさに絶え間ない実験家でした。

This is the chart that Addie made for us to figure out the evolution of form of Ruth's sculptures.

これは、ルースの彫刻の形の進化を理解するためにアディが作ってくれたチャートです。

彼女はチェーンで吊るすことから始めました。

She started suspending an inner sphere inside a larger sphere, but the chains would break.

内側の球体を大きな球体の中に吊るすことから始めましたが、チェーンが壊れてしまいました。

それで、彼女は組み合わせていくようになりました。

トランペットの形に行きました。

She did these bubbles, spheres that were interlocking.

彼女はこれらのバブル、組み合わされた球体を作りました。

And here's an hourglass form where she's interlocking these together.

そして、ここで彼女がこれらを組み合わせている砂時計の形があります。

これは、行うのが非常に、非常に難しいものです。

It's interlocking spheres with a half sphere, triple spheres.

これは、半球、三重球と組み合わされた球体です。

And then these open forms she discovered by cutting a sculpture open.

そして、彫刻を切り開くことで発見したこれらのオープンな形です。

開いた二枚貝のように見えます。

彼女はこれらをオープンウィンドウフォームと呼んでいます。

The funny thing about it is her evolution in terms of the loop wire sculptures is from 1950 to 1960, for the most part.

面白いのは、ループワイヤーの彫刻における彼女の進化が、ほとんど1950年から1960年にかけてということです。

Also the time that she's having our children.

また、彼女が子供たちを産んでいた時期でもあります。

1959年、彼女は6人の子供をもうけます。

People ask me what it was like growing up.

人々は私に、育った頃はどうだったかと尋ねます。

私たちは私たちの世界でした。

The imaging photograph where she's weaving the sculpture and we're all there.

彼女が彫刻を編んでいて、私たち全員がそこにいる、あのイメージ写真。

One person's drinking a bottle, one person's reading or playing a game.

一人はボトルを飲み、一人は読書をしたりゲームをしたりしています。