Name: 展覧会ツアー—「静寂を見る」ヘレネ・シェアバックの絵画 | メット美術館展 (Exhibition Tour— Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck | Met Exhibitions)
Uploaded: 2026-01-08T14:49:50.000Z
Duration: 13 min 52 s
Description: VoiceTubeの動画で発音を聞きながら英語表現を覚えよう！学べる英語：

When you see these works, they have an emotional quality.

これらの作品を見ると、感情的な質があります。

程度の副詞

とても繊細な方法で、感情を呼び起こします。

There is such a remoteness and otherworldliness, a silence in these pictures.

これらの絵には、遠さや異世界のようなもの、静寂があります。

You become part of a dialogue with these works that is really profound and it draws you in.

あなたはこれらの作品との、本当に深遠で引き込まれるような対話の一部になります。

People see not so much themselves, they see states of being, states of sensibility that makes a very intimate relationship.

人々は自分自身をそれほど多く見るのではなく、存在の状態、非常に親密な関係を作る感性の状態を見ます。

Helm Schafberg is one of the great outstanding painters of the late 19th and especially the 20th century, who probably a lot of people have not yet heard of, but who is a national icon.

ヘルム・シャーフベルクは、19世紀後半、特に20世紀の偉大な傑出した画家の一人であり、おそらく多くの人がまだ聞いたことがないかもしれませんが、国民的アイコンです。

A celebrated painter in Finland and in Sweden, Elena Scharfbeck is the prize of Finland.

フィンランドとスウェーデンで称賛された画家、エレナ・シャーフベックはフィンランドの宝です。

She was born in 1862 in Helsinki and died in Stockholm in 1946.

彼女は1862年にヘルシンキで生まれ、1946年にストックホルムで亡くなりました。

From the time she was 11 years old, she was recognized as a prodigy.

11歳の頃から、彼女は天才として認められていました。

Scharfbeck started as a naturalist and then progressed to her own brand of modernism.

シャーフベックは自然主義者として始まり、その後独自のモダニズムへと進みました。

She developed a style of painting all her own.

彼女は独自の絵画スタイルを確立しました。

Seeing Silence, the Paintings of Helen Schafberg really is the first major show of Helen Schafberg in the United States.

Seeing Silence, the Paintings of Helen Schafberg は、アメリカ合衆国におけるヘルン・シャーフベルクの最初の主要な展覧会です。

This exhibition really introduces her to an American audience.

この展覧会は、アメリカの観客に彼女を紹介するものです。

It's also a fascinating story of an artist's journey and it's a sensation to have these works here in New York at the Mataborld Museum.

これは、アーティストの旅の魅力的な物語でもあり、マタボールド美術館でこれらの作品をニューヨークで見られるのは感動的です。

We had in mind not to do a retrospective of Scharfbeck, but to condense the very finest masterpieces of her career into passages of her art which actually track her life story as well.

私たちは回顧展ではなく、彼女のキャリアの最も素晴らしい代表作を、彼女の人生の物語をたどるような形で凝縮することを目指しました。

There's often a lot of mystery in her work.

彼女の作品には、しばしば多くの神秘性が宿っています。

She is paring down her subjects to the simplest objects.

彼女は対象を最もシンプルなものに絞り込んでいます。

人物は個性を際立たせていません。

Her technique is also idiosyncratic and extraordinary.

彼女の技法も独特で素晴らしいものです。

彼女は絵の具の層を足したり引いたりしています。

She has a limited palette, white, black, blue.

彼女は白、黒、青という限られた色を使っています。

Her figures never stare at her as she paints them, nor does she stare at them.

彼女が描いている間、人物は彼女を見つめず、彼女も人物を見つめません。

The more spare they become, more and more enigmatic they become.

より簡潔になるほど、ますます神秘的になっていきます。

You get a clear understanding of her development and growth.

彼女の発展と成長がはっきりと理解できます。

From the very first paintings until the very final, spectral, searing, late self portraits, Scharfbeck was on her own path.

最初の作品から、幽玄で痛烈な後期の自画像まで、Scharfbeckは独自の道を歩んでいました。

She was a very quiet, remote, introspective woman.

彼女は非常に静かで、近寄りがたく、内省的な女性でした。

And yet she had fierce determination against all odds to pursue her painting.

それでも、あらゆる困難に立ち向かい、絵を描き続ける激しい決意を持っていました。

それが彼女の人生を形作りました。

The exhibition begins with Scharfbek's first full scale paintings.

展覧会はScharfbekの最初の本格的な絵画から始まります。

These are paintings that she made actually in Finland.

これらは彼女が実際にフィンランドで描いた絵画です。

そして、これはフィンランドの歴史画です。

The subject is the death of a 16 year old count William Schwerin.

主題は、スウェーデンとロシアの間で起こったフィンランド戦争で亡くなった16歳のヴィルヘルム・シュヴェーリン伯爵の死です。

He died in what is known as the Finnish War between Sweden and Russia.

これは非常に感動的で、人間味あふれる絵で、18歳にしては非常に完成度が高いです。

It's a very touching Very humane painting and so accomplished for an 18 year old.

フィンランド国立協会の年次展で賞を獲得し、その後政府からパリへの旅行奨学金を得ました。

It won a prize at the Finnish National Society Annual Exhibition and she then won a stipend from the government to travel to Paris.

彼女はフィンランドの歴史を記念するという期待に応えていましたが、パリでの後の作品とは大きく異なっています。

She was conforming to an expectation to memorialize Finnish history, but it stands so far apart from her later work in Paris.

彼女は明らかに教師たちに応えていましたが、肖像画の光の扱いがすでに美しくできています。

She was obviously responding to her teachers, but she's already working beautifully with light in terms of portraiture.

彼女はまだ人物を個性的に描いていますが、すでに筆致を柔らかくし、必ずしも説明的ではないが、彼女にとって美的に心地よい部分に色を加えています。

She is still individualizing her figure, but already here she's softening her strokes, she's adding color in areas that aren't necessarily descriptive but that are aesthetically pleasing to her.

そして、この絵には多くの感情が込められており、22歳だった1884年に描かれました。

And it has a lot of feeling, this painting, and it was painted in 1884 when she was 22.

そして、とても感情がこもっています。

That is a remarkable fact that she was already so proficient at such a young age.

そして、それは多くの感情が込められており、

She was already manipulating her language to, as she said, seek the truth.

この若さで既にこれほど熟練していたというのは、驚くべき事実です。

Shafrak actually painted this in St. Ives, the picturesque coastal town in Cornwall, England.

彼女は既に、彼女自身の言葉で真実を追求するために、自身の表現方法を操っていました。

It was shown publicly in Helsinki on its completion, and it was damned by the press because they were looking for traditional landscape painting.

シャフラクは実際に、イングランドのコーンウォールにある絵のように美しい海岸沿いの町、セント・アイヴスでこれを描きました。

完成後ヘルシンキで一般公開されましたが、伝統的な風景画を求めていた報道陣によって酷評されました。

If you look at the touches of color, she's reaching a level of abstraction already in 1883, presaging what is to come, of course, in later decades.

それは非常に、非常に美しく描かれています。

In 1902, Scherfbeck moved from Helsinki to a small railroad town, Hyvinka, where she joined her widowed mother, essentially to look after her, which enabled Scherfbeck to leave the distractions of Helsinki and paint full time.

色のタッチを見ると、彼女はすでに1883年に抽象化のレベルに達しており、もちろん後の数十年で起こることを予見しています。

She was there with her mother until her mother died in 1923.

1902年、シェルプベックはヘルシンキから小さな鉄道の町、ヒュヴィンカーに移り、そこで未亡人となった母親と暮らし始めました。母親の世話をするためでしたが、これによりシェルプベックはヘルシンキの喧騒から離れて、本格的に絵を描くことができました。

To my mind, these figure paintings are among the most powerful and evocative of, as you said, a sensibility.

彼女は母親が1923年に亡くなるまで、そこにいました。

She's continuing to hone her style and to render her language more and more spare.

私の考えでは、これらの人物画は、あなたが言ったように、ある種の感性において最も力強く、感情を呼び起こすものの一つです。

And I think they also keep a certain distance from you as a viewer.

そして、それらは鑑賞者であるあなたからも、ある種の距離を保っていると思います。

You almost like, approach them while they are still immersed in their own spiritual sphere.

まるで、彼女たちがまだ自分たちの精神的な世界に没頭している間に、あなたがそれに近づくような感じです。

And I think that actually makes them also so accessible.

そして、それがそれらをとても身近なものにしているのだと思います。

You're part of, I would say, an emotional bond and the reflection that you have on yourself with it.

あなたは、私が言ったように、感情的な絆と、それによって自分自身を振り返る一部なのです。

These are not portraits, these are figure paintings.

これらは肖像画ではなく、人物画です。

そして、彼女は光をとても美しく使っています。

And that she does from her very early years, actually, she used local sitters, but she was, of course, using her knowledge of art history and also applying her deep training in different techniques to create work that is quite connected with artistic developments both of the time as well as of the past.

そして、それは彼女の非常に早い時期から行われており、実際に地元のモデルを使っていましたが、もちろん美術史の知識を駆使し、さまざまな技法における深い訓練を応用して、当時の芸術的発展と過去の芸術的発展の両方と深く結びついた作品を制作していました。

This painting, the Les scholes, dates to 1920, when Scherfbeck was actually in a picturesque coastal village called Thomassari, the Sitter is Sigrid Nyberg, who was her landlady in her boarding house.

この絵、レ・スコールは、シェルプベックが実際にトマッサリという絵のように美しい海岸沿いの村にいた1920年の作品で、モデルは彼女の下宿屋の女主人だったシグリッド・ナイバーグです。

She typically recruited anyone from the community, wherever she was, to pose for her.

彼女は通常、どこにいても、そのコミュニティの誰でも、彼女のためにポーズをとるように募集していました。

It's a striking painting in and of itself, but it's also a very telling example of her idiosyncratic style, developed at mid career, where she would add subtract paint layers from her canvas, using a palette knife and stylus to actually remove paint to the point where she was often actually exposing the weave of the canvas.

それ自体が印象的な絵ですが、キャリアの中盤で開発された彼女の独特なスタイルの非常に示唆に富む例でもあります。そこでは、パレットナイフとスタイラスを使ってキャンバスから絵の具の層を加えたり引いたりして、絵の具を取り除き、キャンバスの織り目まで露出させることもよくありました。

So this one is actually one of the most elaborate in regard to using different techniques.

これは、さまざまな技法を使っているという点で、最も手の込んだ作品の一つです。

It is a work that depicts a sitter, but actually depicts a modern woman.

これは、モデルを描いた作品ですが、実際にはモダンな女性を描いています。

And I think that that's also important to see that Helen Schafberg as an artist was development of the modern woman.

そして、ヘレン・シェルプベックという芸術家が、モダンな女性の発展であったということを理解することも重要だと思います。

I think she wanted to paint a certain prototype of a woman.

彼女は、ある種の女性の原型を描きたかったのだと思います。

There's a certain power, actually, I think, in her expression.

彼女の表現には、ある種の力強さがあると思います。

So the severity, or what we now see as a strong expression, that I think is very intentional and powerful for us, of course, a great and important acquisition.

厳しさ、あるいは今私たちが力強い表現と見なしているものは、非常に意図的で力強いものであり、もちろん、素晴らしい重要な収蔵品です。

And it is the very first painting of Helen Schafberg in an American collection.

これは、アメリカのコレクションにおけるヘレン・シェルプベックの最初の絵画です。

私たちにとって、これは素晴らしい機会でした。

In this gallery, we deviate from chronology rather, I've decided to put the landscapes and paintings that sort of speak to each other in terms of her actual aesthetic.

このギャラリーでは、年代順ではなく、彼女の実際の美学という点で互いに語り合うような風景画と絵画を配置することにしました。

So we have some landscapes from Fiesole, the hill town outside Florence, a painting evocative of Renaissance pictures.

フィレンツェ郊外の丘の町、フィエーゾレの風景画と、ルネサンス絵画を思わせる絵画を展示しています。

And then on this wall, we have only five still lifes in the exhibition.

そして、この壁には、展覧会には5点だけの静物画があります。

She didn't paint still lifes to the extent that she did figure paintings.

彼女は人物画ほど静物画を描きませんでした。

But this gives you a microcosm of the evolution of her aesthetic over time.

しかし、これは彼女の美学の進化の縮図を時間とともに示しています。

非常に初期のフランス風から。

Very beautifully brushed, very softly painted, very mainstream, I would say.

非常に美しく描かれ、非常に柔らかく塗られ、非常に主流だと思います。

But here we are marching forward in time to 1930, where she's using a very dry pigment, which you'll see in several of these paintings.

しかし、ここでは1930年へと時間を進めます。そこでは、これらの絵画のいくつかで見られるように、非常に乾いた顔料を使用しています。

She's outlining her pears with a very strongly delineated black line.

彼女は非常に強く描かれた黒い線で洋梨の輪郭を描いています。

そして、彼女はキャンバスを削り取っています。

And here you have an entire passage of canvas that's been scraped down to the bone.

そして、ここではキャンバス全体が骨まで削り取られています。

Here your eye really recognizes what she's doing with her paint.

ここでは、彼女が絵の具で何をしているのか、あなたの目がはっきりと認識します。

And she's creating this very energetic, textured surface here, where the objects sort of lose clarity, lose geometry, lose form.

そして、ここで非常にエネルギッシュで質感のある表面を作り出しており、対象物は明瞭さ、幾何学、形を失っています。

The painting is a sort of pulsating example of her use of bright color, which one rarely sees elsewhere in her work, in the growing abstraction of even a still life.

この絵は、静物画でさえも成長する抽象化の中で、彼女の鮮やかな色彩の使用の、ある種の脈打つような例です。

She's as far removed from Paul CEZANNE as you could be at this point.

この時点で、彼女はポール・セザンヌからできる限り遠く離れています。

And here, this is a further example of the dissolution of form, the absence of geometry.

そしてここでは、形の溶解、幾何学の不在のさらなる例があります。

And one is struck by this black apple, considered by some as metaphorical, given the fact it was painted in 1944, in the worst years of World War II.

そして、この黒いリンゴに心を奪われます。1944年、第二次世界大戦の最悪の年に描かれたことを考えると、比喩的だと考える人もいます。

これらのリンゴには立体感がありません。

The shadow is just as prominent as the apple itself.

影はリンゴそのものと同じくらい際立っています。

それらは互いに融合しています。

It's a fascinating abstraction, as a simple still life image goes.

シンプルな静物画としては、魅力的な抽象化です。

In 1915, Scherfbeck's dealer, Gosta Stenman, introduced a young forester called Einer Reuter.

そして、1915年、シェルベックのディーラーであるゴスタ・ステンマンは、アイナー・ロイターという若い森林官を紹介しました。

彼女はアイナーに恋をしました。

He was 18 years younger, and I think the love was a deep emotional attachment.

彼は18歳年下で、その恋は深い情緒的な結びつきだったと思います。

Each had a great passion for art, and so they were intellectually and emotionally very much in tune with one another.

二人は芸術への情熱を共有しており、知性でも感情でも、とてもよく通じ合っていました。

そして彼女は彼を心から愛していました。

She wrote him hundreds and hundreds of letters in her lifetime.

彼女は生涯で彼に何百通もの手紙を書きました。

At a certain moment in time, he married and she had a nervous breakdown.

ある時、彼は結婚し、彼女は神経衰弱になりました。

She was devastated, so she clearly wished for more of him and she painted several portraits of him.

彼女は打ちのめされ、明らかに彼にもっと求めており、彼の肖像画を何枚か描きました。

This one she amusingly titled the Sailor.

この作品には、彼女は面白おかしく「船乗り」と名付けました。

He was no sailor, but it was painted in this coastal town, Thomassari, where they actually spent two weeks together, painting one summer.

彼は船乗りではありませんでしたが、これは彼らが実際に夏の間に一緒に絵を描いて過ごした2週間を過ごした、この港町、トマッサーリで描かれました。