Name: セルジオ・レオーネはなぜ撮影現場で音楽をかけたのか (Why Sergio Leone Played Music On Set)
Uploaded: 2026-02-06T17:00:10.000Z
Duration: 9 min 19 s
Description: VoiceTubeの動画で発音を聞きながら英語表現を覚えよう！学べる英語：

One of the things I love about movies is their ability to make reality lyrical.

映画の好きなところの一つは、現実を詩的にしてくれる力です。

In life, there's no score playing under your morning run on the beach except for the one you choose.

人生には、自分が選んだもの以外、朝のビーチでのランニングの下で流れるスコアはありません。

Yo, we're two hard motherfuckers taking out any punk ass.

よお、俺たちはどんなチンピラでもぶちのめすタフな奴らだ。

Part of the reason we listen to music, I think, is to soundtrack our experiences.

音楽を聴く理由の一つは、自分の経験にサウンドトラックをつけるためだと思うんだ。

A composer is never going to write for my life, but

作曲家が俺の人生のために曲を書くことはないだろうけど、

I can look toward the sunset and tap into the deep longing in John Williams work, for example, or channel the alienation of Vangelis.

例えば、夕日を見ながらジョン・ウィリアムズの作品に込められた深い憧れに浸ったり、ヴァンゲリスの疎外感をチャネリングしたりできる。

Haunting and somehow seductive score for Blade Runner.

ブレードランナーの、忘れがたい、そしてどこか魅惑的なスコア。

You know, there's this movie from mid-90s called Phenomenon where John Travolta becomes a super genius with telekinetic powers.

90年代半ばの『フェノミナン』っていう映画を知ってるかい？ジョン・トラボルタがテレキネティック能力を持つスーパー天才になるんだ。

Yeah, it's not that great of a movie, but

ええ、そんなに素晴らしい映画じゃないんだけど、

it has this scene where Travolta feels at one with the swaying of the trees.

トラボルタが木々の揺れと一体になるのを感じるシーンがあるんだ。

And I guess because I first saw this when I was a kid, the film's great score by Thomas Newman became linked with that feeling of harmony with nature.

そして、子供の頃に初めてこの映画を見たからだと思いますが、トーマス・ニューマンによるこの映画の素晴らしいスコアが、自然との調和という感覚と結びつきました。

It might be silly, but sometimes I put it on and watch the trees rocking in the wind.

馬鹿げているかもしれませんが、時々この映画をつけて、風に揺れる木々を見ています。

And the music unlocks a deeper feeling of contemplation.

そして、その音楽はより深い瞑想的な感情を解き放ちます。

なぜそうなるのか、よく不思議に思います。

We know music activates parts of the brain that regulate emotion, that it can help us concentrate, trigger memories, make us want to dance.

音楽は感情を司る脳の部分を活性化させ、集中力を高め、記憶を呼び起こし、踊りたくさせることを私たちは知っています。

But the full effects of music on the human mind remain mysterious.

しかし、音楽が人間の精神に与える完全な影響は、依然として謎に包まれています。

What's clear to all of us, I think, is that music fits so well with the patterns of thought.

私たち皆がはっきりとわかっているのは、音楽が思考のパターンと非常によく合っているということだと思います。

It's almost as if that lyrical quality is latent in life or reality or both in film.

まるで、その叙情的な質が、人生や現実、あるいは映画の中の両方に潜在しているかのようです。

No one understood this better than Sergio Leone, the Italian director of operatic spaghetti westerns.

オペラティックなスパゲッティ・ウェスタンで知られるイタリアの監督、セルジオ・レオーネほど、これを理解していた人はいません。

One of the greatest filmmakers who ever lived, Leone is probably best known for his Dollars trilogy, which made Clint Eastwood a star and reinvigorated a distinctly American genre with a rougher sensibility.

生きた映画製作者の中で最も偉大な一人であるレオーネは、クリント・イーストウッドをスターにし、独特のアメリカのジャンルをより荒々しい感性で活性化させた「ドル箱三部作」で最もよく知られているでしょう。

One that he cribbed from Japanese director Akira Kurosawa, who was himself influenced by the classic American Westerns of Ford.

それは、アメリカの西部劇の古典から影響を受けた日本の黒澤明監督から拝借したもので、レオーネ自身もフォード監督の西部劇に影響を受けていました。

As his career progressed, Leone's style developed into something uniquely his own.

キャリアが進むにつれて、レオーネのスタイルは独自の境地へと発展していきました。

He refined his pacing and camera movement and composition, finding just as much to explore in a human face as a Western landscape.

彼はテンポ、カメラワーク、構図を洗練させ、人間の顔にも西部劇の風景にも探求すべきものを見出しました。

But where he really separated himself, I think, is in his attention to music, how it works with the image.

しかし、彼が本当に際立っていたのは、音楽と映像の関わり方、音楽がどのように映像と機能するかに対する彼の配慮だったと思います。

And in this he had the very best partner.

そして、この点において彼は最高のパートナーを得ていました。

Leone's collaboration with computer composer Ennill Morricone is arguably the most successful in all of cinema.

レオーネと作曲家エンニオ・モリコーネとのコラボレーションは、映画史上最も成功したもののひとつと言えるでしょう。

This comes down to the deep respect Leone had for Morricone's work, but

これは、レオーネがモリコーネの作品に抱いていた深い敬意に起因しますが、

also his general feeling for how music should function in Film.

映画における音楽の役割についての彼の一般的な感覚にもよります。

When Leone says that Morricone was his best screenwriter, he's not exaggerating for effect.

レオーネがモリコーネを最高の脚本家と呼んだとき、それは効果のために大げさに言ったわけではありません。

In movies, we all know the script comes first, then filming, then music is added in post.

映画では、脚本がまずあり、次に撮影、そしてポストプロダクションで音楽が追加される、というのは皆が知るところです。

Sometimes the filmmaker knows what songs they might want in the early stages, but

映画監督が初期段階でどの曲を使いたいかを知っていることもありますが、

usually film scores are composed during editing.

通常、映画音楽は編集中に作曲されます。

But music was so important to Leone, to the rhythm of his sequences, that he had Morricone do his work before filming began and then design shots around those compositions.

しかし、レオーネにとって音楽は、彼のシーケンスのリズムにとって非常に重要だったので、モリコーネに撮影前に作業をしてもらい、その楽曲に合わせて撮影をデザインしました。

The music for Leone really was a kind of script.

レオーネにとって音楽は、まさに脚本のようなものでした。

Okay, take a look at this scene from what I believe is Leone's best movie.

さて、レオーネの最高傑作と思われる映画のこのシーンを見てみましょう。

One of the main characters, Jill, is arriving in town to meet her new husband and his three children to start a new life.

主人公の一人であるジルが、新しい人生を始めるために、新しい夫と3人の子供たちに会いに町に到着します。

しかし、ジルが知らないことを私たちは知っています。

In the previous scene, Jill's new family was massacred by a ruthless hired gun played by Henry Fonda.

前のシーンで、ジルの新しい家族は、ヘンリー・フォンダが演じる冷酷な殺し屋に虐殺されました。

We know that Jill's family isn't coming to meet her at the train.

ジルの家族が駅で彼女に会いに来ないことを私たちは知っています。

And as the station clears out, she starts to realize that too.

そして、駅が閑散としてくると、ジルもそれに気づき始めます。

Still unaware of the full scope of the tragedy, Morricone wrote this devastatingly beautiful theme for Jill, featuring a wordless vocal from Italian soprano Edda del Orso.

悲劇の全容を知らないまま、モリコーネはジルに、イタリアのソプラノ歌手エッダ・デル・オルソの言葉のない歌声が特徴的な、この破壊的に美しいテーマ曲を作曲しました。

Now, when you watch this sequence, there's something very important to keep in mind.

さて、このシーンをご覧になるとき、非常に重要なことを心に留めておく必要があります。

Leone was playing the music for this scene on set while he was shooting it.

レオーネは撮影中に、このシーンの音楽をセットで流していました。

He timed the exact speed and movements of the camera and the actors to the music.

彼はカメラと役者の正確なスピードと動きを音楽に合わせて調整しました。

That sense of disappointment and foreboding expressed so well in the music is animating everyone in front of the camera and behind it.

音楽でこれほどよく表現されている失望感と不吉な予感は、カメラの前でも後ろでも、誰もが生き生きとしています。

The result is a perfect harmony of sound and image.

その結果、音と映像の完璧な調和が生まれています。

Sam, As stirring a moment as that is, and

サム、それは感動的な瞬間ですが、

it is, Leone doesn't need a sweeping crane shot to make the most out of Morricone's score.

レオーネはモリコーネのスコアを最大限に活かすために、壮大なクレーンショットを必要としません。

I mentioned before that Leone has an obsession with human faces.

以前にもお話ししたように、レオーネは人間の顔に執着しています。

And like his others, this movie plays out in a series of extreme close ups.

そして、他の作品と同様に、この映画も極端なクローズアップの連続で展開されます。

With the music playing on set, the actors are granted a unique opportunity to access the profound emotions that the songs arouse in them, like we all do when we listen to music.

セットで音楽が流れる中、俳優たちは、音楽を聴くときに誰もがそうするように、歌が引き起こす深い感情にアクセスできるユニークな機会を与えられます。

Except what they're listening to was written precisely for their character, precisely for that moment.

ただし、彼らが聴いているのは、まさにそのキャラクターのために、まさにその瞬間のために書かれたものです。

レオーネがクローズアップを好むのも無理はありません。

As Professor John Falwell put it, his camera is capturing introspection set to music.

ジョン・ファルウェル教授が述べたように、彼のカメラは音楽に合わせて内省を捉えています。

And just as the actors get a unique opportunity, we do too.

そして、俳優たちがユニークな機会を得るのと同じように、私たちも得られます。

We get the chance to stare into these faces as they stare at one another and glimpse the most minute expressions, that deep well of feeling hidden behind a steely gaze.

私たちは、彼らが互いに見つめ合う顔をじっと見つめ、鋼のような視線の奥に隠された、その深い感情の源である、ごくわずかな表情を垣間見ることができます。

You know, human beings can be inscrutable, but not when you're this close.

人間は不可解な存在になり得ますが、これほど近くにいるときはそうではありません。

Not when you and the person on the other side of the screen are hearing the same song.

あなたと画面の向こうの人が同じ曲を聴いているときは、そうではありません。

いつかまた戻ってきてくれることを願っています。

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セルジオ・レオーネはなぜ撮影現場で音楽をかけたのか (Why Sergio Leone Played Music On Set)

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