Name: 世界で最も偉大な歌に関する驚きのトップ10 (Top 10 Things You Never Knew About the World’s Greatest Songs)
Uploaded: 2026-01-01T17:06:26.000Z
Duration: 13 min 11 s
Description: VoiceTubeの動画で発音を聞きながら英語表現を覚えよう！学べる英語：

仮定法過去完了

I don't wanna die Sometimes wish I'd never been born at all.

死にたくない、生まれてこなければよかったとさえ思うことがある。

today we're counting down our picks for the hidden histories and untold secrets behind some of the most iconic anthems ever recorded.

今日は、史上最も象徴的なアンセムの数々の隠された歴史と語られざる秘密をランキング形式でご紹介します。

Number 10, 7 nation army was a childhood mishearing I'm gonna fight them all.

第10位、「セブン・ネイション・アーミー」は、子供の頃に聞き間違えた「みんなと戦うぞ」という言葉から生まれた。

That instantly recognizable stomping guitar riff from this song has become an anthem for sporting events worldwide, a rallying cry that transcends language barriers.

この曲の、誰もがすぐにわかる力強いギターリフは、世界中のスポーツイベントのアンセムとなり、言語の壁を超えた応援歌となっています。

Yet the enigmatic title itself stems from an utterly charming and profoundly innocent misunderstanding.

しかし、この謎めいたタイトル自体は、とても魅力的で、とても純粋な誤解に由来しています。

And if I catch it coming back my way I'm gonna serve it to you.

もしそれが私の元へ戻ってきたら、あなたに提供してあげる。

The White Stripes frontman Jack White revealed that as a young boy growing up in Detroit, he had difficulty pronouncing the Salvation army the name of the charitable organization he often saw.

ホワイト・ストライプス（The White Stripes）のフロントマン、ジャック・ホワイト（Jack White）は、デトロイトで育った少年時代、彼がよく見かけた慈善団体の名前である「サルベーション・アーミー（Salvation Army）」をうまく発音できなかったと明かしています。

Instead, he consistently mispronounced it as Seven Nation Army.

その代わりに、彼は常に「セブン・ネイション・アーミー」と間違って発音していました。

私を引き止めることはできなかった。

This unique, slightly menacing frame stuck with him throughout his childhood, eventually becoming the perfect distinctive title for their 2003 smash hit.

このユニークで少し不穏なフレーズは、彼の子供時代を通して彼に付きまとい、最終的に2003年の大ヒット曲にぴったりの独特なタイトルとなりました。

Good Vibrations took 90 hours of studio time to record.

「グッド・ヴァイブレーションズ」のレコーディングには、スタジオで90時間かかりました。

When Brian Wilson set out to create the Beach Boys good vibrations in 1966, he wasn't just aiming for a pop singer single, he was attempting to compose what he famously called a pocket symphony.

ブライアン・ウィルソンが1966年にビーチ・ボーイズの「グッド・ヴァイブレーションズ」を制作しようとしたとき、彼は単にポップシンガーのシングルを目指していたのではなく、彼が「ポケットシンフォニー」と呼んだものを作曲しようとしていました。

This ambitious vision translated into one of the most painstakingly crafted songs in rock history.

この野心的なビジョンは、ロック史上最も丹念に作られた曲の一つへと結実しました。

To achieve his desired soundscape, Wilson employed a revolutionary modular recording technique, breaking the song into numerous distinct sections, each recorded separately in different Los Angeles studio studios like Gold Star Studios and Western Recorders over several months.

望むサウンドスケープを実現するため、ウィルソンは革新的なモジュラーレコーディング技術を採用し、曲を多くの異なるセクションに分割し、それぞれをゴールド・スター・スタジオやウェスタン・レコーダーズのようなロサンゼルスの様々なスタジオで数ヶ月かけて個別に録音しました。

This meticulous process involved an astonishing 17 recording sessions across four different studios and racked up an unprecedented 90 hours of tape.

この緻密なプロセスには、4つの異なるスタジオでの驚くべき17回のレコーディングセッションが含まれ、前例のない90時間のテープが使用されました。

The final cost of the single ballooned to an estimated $50,000, an astronomical sum in 1966.

シングルの最終的な費用は推定5万ドルに膨れ上がり、1966年としては天文学的な金額でした。

Number Every Breath youh Take is a stalker anthem.

「エヴリ・ブレス・ユー・テイク」は、ストーカーのアンセムです。

The Police's timeless hit, released in May 1983 on their album Synchronicity, has been embraced by countless couples as a romantic ode, even becoming a popular choice for weddings.

ポリスの時代を超えたヒット曲は、1983年5月にアルバム『シンクロニシティ』でリリースされ、数え切れないほどのカップルにロマンチックな賛歌として受け入れられ、結婚式の人気曲にもなりました。

However, its true meaning is far darker and profoundly unsettling, something lead singer Sting has openly expressed frustration about being misunderstood.

しかし、その真の意味ははるかに暗く、非常に不穏なものであり、リードシンガーのスティングは誤解されていることに率直に不満を表明しています。

I feel so cold and I long for your embrace.

とても寒くて、あなたの抱擁が恋しいです。

Penned during a period of immense personal turmoil, specifically his 1982 divorce, the song is a chilling portrayal of obsessive love, surveillance and relentless jealousy.

1982年の離婚という、個人的な激動の時期に書かれたこの曲は、執着的な愛、監視、そして絶え間ない嫉妬の冷たい描写です。

Sting himself has described it as a nasty little song, famously stating, I think it's a very sinister song, and

スティング自身もこれを「意地の悪い小さな曲」と表現し、「とても不穏な曲だと思います」と有名に述べています。

I don't think people have really grasped that have a poor Heartaches Number seven Prince played every instrument on when Doves Cry.

「ホエン・ドヴス・クライ」では、ハートブレイクス・ナンバー・セブン・プリンスが全ての楽器を演奏したことを、人々は本当に理解していないと思います。

Prince Rogers Nelson was nothing short of a musical polymath, a virtuoso capable of mastering nearly any instrument he laid his hands on.

プリンス・ロジャース・ネルソンは、まさに音楽の博学者であり、手に取ったほとんど全ての楽器をマスターできる名手でした。

Though the titular track on Purple Rain was recorded live with the band at First Avenue in Minneapolis on August 3, 1983, Prince subsequently performed extensive overdubs, most notably his searing, unforgettable guitar solos and layered vocals.

「パープル・レイン」のタイトル曲は1983年8月3日にミネアポリスのファースト・アベニューでバンドと共にライブ録音されましたが、プリンスはその後、特に彼の心を打つ忘れられないギターソロや重ねられたボーカルなど、大規模なオーバーダブを行いました。

Maybe I'm just too demanding maybe I'm just like my father too bold.

私が要求しすぎなのかもしれません、父のように大胆すぎるのかもしれません。

Across the Purple Rain album, Prince's command over every sonic element was even more evident.

「パープル・レイン」のアルバム全体を通して、プリンスのあらゆる音響要素に対する支配力はさらに明らかでした。

On tracks like When Doves Cry, he famously played every single instrument.

「ホエン・ドヴス・クライ」のような曲では、彼は全ての楽器を演奏したことで有名です。

His unparalleled ability to conceive, arrange and then perform such intricate and diverse parts solidified his reputation as one of music's most comprehensively gifted and independent artists.

そのような複雑で多様なパートを構想し、アレンジし、そして演奏する彼の比類なき能力は、音楽界で最も包括的に才能があり、独立したアーティストの一人としての彼の評判を確固たるものにしました。

Number six Imagine has been banned during sensitive historical periods.

6番の「イマジン」は、歴史的に敏感な時期に禁止されてきました。

John Lennon's Imagine, released in 1971, stands as one of the most powerful and hopeful anthems for peace and unity ever written.

1971年にリリースされたジョン・レノンの「イマジン」は、これまで書かれた中で最も力強く、希望に満ちた平和と団結のアンセムの一つとして standing.

Imagine all the people envisioning a world without war, greed or division.

すべての人が、戦争も、貪欲も、分断もない世界を思い描いていると想像してください。

Yet these very themes, which many embrace as universal aspirations, have ironically caused it to be viewed as subversive and even discouraged in certain contexts.

しかし、多くの人が普遍的な願望として受け入れているこれらのテーマこそが、皮肉にも、それを破壊的と見なされ、特定の文脈では奨励されない原因となっています。

You may say I'm a dreamer, but I'm not the only one.

あなたは私が夢想家だと言うかもしれませんが、私だけではありません。

BBC urged stations to avoid playing Imagine during the 1991 Gulf War, and

BBCは、1991年の湾岸戦争中に「イマジン」の放送を避けるよう各局に要請し、

US clear channels circulated a post 911 Do not playlist that included it.

11以降、アメリカの放送局は「イマジン」を再生しないプレイリストを回覧しました。

While not an official sweeping government decree across all media, specific radio stations and outlets under the regime's influence actively avoided playing the song, effectively silencing its message due to its perceived anti establishment and anti religious sentiment.

これは全てのメディアにわたる公式な政府の広範な布告ではありませんでしたが、体制下の特定のラジオ局やメディアは、その反体制的、反宗教的な感情と見なされたメッセージを事実上沈黙させるために、積極的にこの曲の放送を避けました。

Number 5 Smells Like Teen's spirit title came from a friend's joke.

5番の「スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」というタイトルは、友人の冗談から生まれました。

At the risk of sounding hyperbolic, Nirvana's generational anthem wasn't just a song, it was the defining sound of the 90s.

誇張して聞こえるリスクを冒して言うなら、ニルヴァーナの世代を超えたアンセムは単なる曲ではなく、90年代を定義するサウンドでした。

Its somewhat enigmatic title, however, has an incredibly mundane origin.

しかし、そのやや謎めいたタイトルには、驚くほどありふれた由来があります。

The phrase was spray painted on Kurt Cobain's bedroom wall by his friend Kathleen Hanna, the lead singer of the Raya girl band bikini kill in 1990.

そのフレーズは、1990年にレイアのガールバンド、ビキニ・キルのフロントマンであるキャスリーン・ハンナがカート・コバーンの寝室の壁にスプレーで書いたものです。

Hanna wasn't making a profound statement.

ハンナは、深い声明を出していたわけではありませんでした。

She was merely pointing out that Cobain smelled like Teen Spirit, a popular brand of deodorant aimed at young women.

彼女は単に、コバーンが当時若い女性向けの人気のデオドラントブランドであるティーン・スピリットの匂いがすると指摘していただけでした。

That his then girlfriend Toby Vale, also a member of Bikini Kill, frequent.

当時、ビキニ・キルのメンバーでもあった彼のガールフレンド、トビー・ベールが頻繁に使っていたものです。

Cobain, oblivious to the brand, thought Hanna was making a deep revolutionary statement about his rebellious spirit, embracing it as a powerful anti establishment slogan.

ブランドに気づかなかったコバーンは、ハンナが自分の反抗的な精神について深い革命的な声明を出していると思い込み、それを強力な反体制スローガンとして受け入れました。

Number 4 the Thriller music Video Costs more than the Song Are you alright?

4番の「スリラー」のミュージックビデオは、曲よりも高くついたって、大丈夫？

Michael Jackson's Thriller revolutionized the art of the music video forever but for a track of such monumental impact, the cost of its groundbreaking visual accompaniment far outstripped the resources typically allocated to music videos at the time, even surpassing the individual production cost of the song itself.

マイケル・ジャクソンの「スリラー」は、ミュージックビデオという芸術を永遠に変えましたが、これほど記念碑的なインパクトを持つ楽曲にしては、その画期的な映像の制作費は、当時のミュージックビデオに通常割り当てられるリソースをはるかに上回り、曲自体の個々の制作費さえも超えていました。

It's Close to Midnight and Something Evil's Lurking in the Dark.

真夜中が近く、暗闇に何かが潜んでいる。

Directed by John Landis and featuring groundbreaking special effects makeup by Rick Baker, the 14 minute cinematic masterpiece, released on December 2, 1983, cost an unprecedented $500,000 to $800,000 to produce.

ジョン・ランディスが監督し、リック・ベイカーによる画期的な特殊メイクが施されたこの14分間の映画のような傑作は、1983年12月2日に公開され、制作費は前例のない50万ドルから80万ドルでした。

This was an astronomical sum, especially considering record labels like CBS Epic initially balked at funding it.

これは天文学的な金額で、特にCBS Epicのようなレーベルが当初は資金提供に躊躇していたことを考えると、なおさらです。

Chances are they got over it once they realized how lucrative and influential Jackson's album, song and video had become.

ジャクソンのアルバム、楽曲、ビデオがいかに儲かり、影響力を持つようになったかに気づけば、彼らはそれを乗り越えた可能性が高いでしょう。

Number three Led Zeppelin's Stairway to Heaven was accused of being a ripoff.

3位のレッド・ツェッペリンの「天国の階段」は、盗作だと非難されました。

The legendary British four pieces Nine Minute Epic is undeniably one of rock's most revered and recognizable tracks.

伝説的なイギリスの4人組による「ナイン・ミニット・エピック」は、間違いなくロックで最も尊敬され、認識されているトラックの一つです。

There's a Feeling I Get When I Look to the West.

西を向くと感じる気持ちがある。

However, controversy centers on striking similarities between Stairways Opening and an instrumental track called taurus, released in 1968 by the American psychedelic rock band Spirit.

しかし、論争の中心は、「天国の階段」の冒頭と、1968年にアメリカのサイケデリック・ロックバンド、スピリットがリリースした「トーラス」というインストゥルメンタル・トラックとの顕著な類似性です。

スピリットのベーシスト、マーク・アンデスと、

the estate of their late guitarist Randy California pursued legal action for years alleging that Led Zeppelin had plagiarized their work, citing that Led Zeppelin had opened for Spirit on several occasions in 1968 and 1969.

彼らの故ギタリスト、ランディ・カリフォルニアの遺産は、レッド・ツェッペリンがスピリットの作品を盗作したと主張し、1968年と1969年にレッド・ツェッペリンがスピリットの前座を何度も務めたことを挙げて、長年訴訟を起こしました。

Ultimately, a final ruling in 2020 by the U.S.

最終的に、2020年の米国最高裁判所の最終判決により、レッド・ツェッペリンの単独著作権が維持され、論争の的となっていた議論は終結しました。そして彼女は「天国の階段」を買う。2位のビートルズの「ヘイ・ジュード」は、元々ジョン・レノンの息子に書かれたものでした。

supreme Court upheld Led Zeppelin's sole copyright, effectively ending the contentious debate and she's buying a Stairway to Heaven Number two the Beatles Hey Jude was originally written for John Lennon's son.

最高裁判所はレッド・ツェッペリンの判決を支持した

Don't make it bad Many might not be familiar with the deeply prepared, personal and tender origin behind hey Jude's creation.

悪くしないで。ヘイ・ジュードの誕生の背景にある、深い準備と個人的で優しい物語を知らない人も多いかもしれません。

Paul McCartney penned the song specifically for Julian Lennon, John Lennon's young son.

ポール・マッカートニーが、ジョン・レノンの息子ジュリアン・レノンに捧げるためにこの曲を書きました。

During a tumultuous period in 1968, when John was leaving his first wife, Cynthia Lennon, for Yoko Ono, Paul drove to visit him and Cynthia, wanting to offer solace and reassurance on the drive, he began to compose a song in his head, initially titled hey Jules, intending it as a comforting message.

1968年、ジョンが最初の妻シンシア・レノンとヨーコ・オノとの関係のために別居していた激動の時期、ポールはシンシアとジョンを訪ね、慰めと安心を与えようと車を走らせていました。その道中、彼は心の中で曲を作り始めました。当初は「ヘイ・ジュール」というタイトルで、励ましのメッセージにするつもりでした。

それから、より良くしていくのです。

Julian Lennon himself later recalled Paul's trying to cheer me up.

ジュリアン・レノン自身も後に、ポールが「僕を元気づけようとしてくれた」と振り返っています。

The song, famously recorded at Trident Studios and released as a single, transformed a moment of personal sorrow into a timeless message of empathy and resilience.

トライデント・スタジオで録音され、シングルとしてリリースされたこの曲は、個人的な悲しみを、共感と回復力に満ちた時代を超えたメッセージへと変えました。

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Number one, Bohemian Rhapsody broke technical ground and the tape machine.

まず、ボヘミアン・ラプソディは技術的な限界とテープレコーダーを打ち破りました。

Bohemian Rhapsody is a recording miracle that almost melted the studio's equipment.

ボヘミアン・ラプソディは、スタジオの機材を溶かしかねなかったレコーディングの奇跡です。

The song's soaring operatic middle section came from sheer obsession.

この曲のオペラのような壮大な中間部分は、純粋なこだわりから生まれました。

Over the course of about three weeks, Freddie Mercury, Brian May, and

約3週間にわたり、フレディ・マーキュリー、ブライアン・メイ、

Roger Taylor layered their own voices again and Again, an estimated 180 separate vocal overdubs to create that massive choral sound.

そしてロジャー・テイラーは、推定180回ものボーカルオーバーダブを重ね、あの壮大なコーラスサウンドを作り上げました。

さあ、トラックを流してください。

My nuts feel like they're in my chest right now.

今、僕の睾丸が胸に入り込んでいるような気がする。

The technology of the time was analog, meaning every new layer degraded the tape's quality.

当時の技術はアナログだったので、新しいレイヤーを追加するたびにテープの質が低下しました。

By the end, the engineers had bound so many takes together that the tape itself became nearly transparent from overuse.

最終的には、エンジニアたちが何テイクもの録音を繋ぎ合わせたため、テープ自体が使いすぎでほとんど透明になってしまいました。

Nothing really matters Nothing really matters.

何も重要じゃない、何も重要じゃない。

To me, it's one of rock's greatest examples of ambition, literally pushing the limits of what was physically possible.

私にとって、これはロックの偉大な野心の例の一つで、文字通り物理的に可能なことの限界を押し広げました。

Did we hit all the right notes with these musical revelations?

これらの音楽的な啓示で、すべて正しい音符を捉えられたでしょうか？

Or do you know an even more surprising fact about your favorite song?

それとも、お気に入りの曲について、もっと驚くべき事実をご存知ですか？

下のコメント欄で教えてください。