some of the great ways that you can turn your story into a script.

ストーリーを台本へ変換する 素晴らしい方法をお教えします。

Now, writing a script can help you tell a great story,

台本を書くことは、素晴らしい ストーリーを語るのに必要で、

and organize and communicate your ideas

自分のアイデアを整理整頓して コミュニケーションツールにし、

in a way that makes production manageable.

プロダクションを扱いやすくします。

There are some questions, about like, whether or not you need a script for YouTube shows,

ユーチューブの番組に向けて台本が必要か、

or if it's ok to just make a video by ad-libbing.

それともアドリブがいいかなどの質問があります。

And that answer is just really dependent on the kind of show that you are making.

その答えは、どのような番組をつくるかに かかっています。

But I am a strong advocate for having a set script,

しかし自分は力強いセット台本を作る派で、

and then taking that on set and having fun with it.

セットにそれを持ち込み、楽しむことが好きです。

And just using it as a guideline.

ガイドラインとして使えるのです。

So today I'm gonna talk about the benefits of having that script,

今日は、台本を持つことのベネフィットについて話し、

and how it'll make your life a lot easier on set.

セットがどのように簡素化されるのかを話します。

A lot of people are afraid to even get started.

多くの人がそれを始めることすら拒みます。

It's like this paralyzing fear of, like

それは身のすくむような恐怖で、

I've never written a script before, I've never done a video before.

台本なんて書いたことないとか、 ビデオを作製したことがないとか。

And I think that starting, is really just the hardest part.

始めることが一番難しいパーツなのではないでしょうか。

So the best way to actually get started writing

書くことを始めるのに一番の方法は、

is to set aside a specific time that you're gonna commit

自分が約束する特定の時間を設定し、

and make it a routine.

それを決められた方法にすることです。

That will help you so much.

それは非常に助けになります。

If you find yourself having writers' block,

もし頭が真っ白になるようでしたら、

what you can do is just take a tiny piece of your story,

ストーリーのほんの一部を取って、

and elaborate on that.

それを詳細にするのです。

If you're writing a script, write out just one scene that you know from that script.

台本を書いているとき、その台本の ワンシーンのみを書き出すのです。

Or even just one piece of dialogue.

もしくはダイアログの一部分だけ。

Feel free to totally indulge yourself in a scene for like 40 pages,

目的なく、シーンに大体４０ページくらい 自分を没頭させてもいいです、

that goes nowhere. Because the more that you sort of drown and waddle around in it,

なぜかというと、自分を没頭させることで、

the clearer and clearer that story will become.

ストーリーがもっともっとクリアなものになるからです。

So, two years ago, I wrote a 200,000-word novel,

2年前に、２０００００文字のノベルを書きましたが、

called "Schizophrenic Lesbian in Space".

それはSchizophrenic lesbian in spaceというものでした。

That was total garbage, just didn't make any sense at all.

完全なゴミで、意味をなさないものでした。

Everyone in it was a psychopath.

登場人物はみんな狂人でした。

But I kept working on it and kept reworking it and reworking it,

しかし作業を続けて、なんどもなんども やり直したのです。

and that eventually became Miss Earth, which is a 12 minute short film,

そして、それが１２分のショートフィルム Miss Earthになり、

that actually made sense and had some semblance of a story.

それに意味をなして、ストーリーの外観を得たのです。

So even if you find yourself writing total nonsense,

完全なナンセンスを描いていると思ったとしても、

just keep going with it, because you'll start to walk around in that world,

とにかく前進するべきで、それが歩行をはじめ、

and really be able to find the story and the protagonist that you're looking for.

ストーリーを発見することになり、 自分が求めていた主役を発見できるのです。

Most stories are generally comprised of three acts,

ほとんどのストーリーは、３つの活動で形成されており、

although it can depend on the kind of story you are telling.

どのようなストーリーを語るのかによります。

An act breaks up your story into three pivotal parts.

その活動がストーリーを３つの軸となる パーツに分けます。

Usually the first act is the setup, the second act the confrontation,

はじめはセットアップで、次が対立、

and the third act is the resolution.

3つ目が解決です。

Something about it speaks to us in a way that leaves us feeling satisfied

それが完成したときには、自分たちを満足させる

when it is done right.

話し方となるのです。

There are many ways to turn your ideas into script and to share your message with people.

アイデアを台本に書き出すには多くの方法があり、 メッセージをシェアするのにも多くの方法があります。

You can simply write the pros, describing step by step how the story will evolve,

序盤を書いて、順番にストーリーが発展する様を 表すことができ、

or you can adopt the industry standard and write the location of the action,

もしくはインダストリースタンダードと、 アクションのロケーションを身に付けることができ、

the action itself, and, of course the dialogue.

アクションそのものであったり、もちろんそれが ダイアログだったりします。

But keep in mind, write only what you can show on camera.

ただ、自分がカメラの前で見せられるもの だけを書きましょう。

So try not to write out the inner, deepest thoughts of the characters,

登場人物の内なる秘めた深い考えなどは 書き出さないように。

unless you present that in voice over dialogue,

それが吹き替えのダイアログで 発表されるなら別ですが、

and consider referencing emotions only, if you're describing how a character looks

他の登場人物やシチュエーションに反応する 登場人物のルックスのみを表現するのであれば

when they react to another character or situation.

感情のみに触れることもいいでしょう。

This is what makes screenwriting extremely challenging and fun.

これがシナリオの一番難しいところで、 それがおもしろくするのです。

Tension! You need it! And here is why.

テンション！それが必要です！ これが理由です。

I wanna be sitting on the edge of my seat, especially today,

椅子の端に座っていたくて、特に今日、

when everyone has a million things going on, we have our phones, we have our laptops,

他の人は何百と言う仕事が残っていて、 電話、ノートパソコン、

and everything. Why should we pay attention to what we are watching?

すべてが作動しています。自分が観ているものに 注意を払う必要はないでしょう？

You need to be able to captivate people, right off the bat.

人々をすぐに魅了する必要があるのです。

And you do that with tension.

それをテンションと共に行うのです。

It's a unique thing, but it's creating a conflict with a character I actually care about,

ユニークなことであり、それは自分の心配する 登場人物にトラブルを与えるものかもしれません、

and putting them in some kind of dilemma or peril that seems immediate.

そして目の前に、ジレンマや危険を 持たせるものかもしれません。

And I think the best way to do this, is with stakes that are really high,

そして一番効果的なやり方は、非常にリスクが高く、

like life or death or some kind of ginormous failure.

たとえば生死の狭間であったり、 とてつもない失敗だったりします。

Conflict to me in a story, is when a person either has to overcome something external,

ストーリー上でのトラブルは、人が 何か外部からのものを克服し、

or something internal, to be able to move forward.

もしくは何か内側ものを克服して、前進できることです。

Whether that makes them a better person, or a worse person, a la Breaking Bad,

それがもっといい人間にさせる、もしくは悪くしてしまう、 Breaking Badのようにです。

We want to see that evolution of a character on screen.

登場人物の進化をスクリーンで見せたくて、

I think the best stories are when a character overcomes something,

一番いいストーリーは、登場人物が 何かを克服するもの、

both externally and internally,

外側と内側にで、

and both of those conflicts are interweaved.

そしてそれらのトラブルが織り交ざることです。

When I shoot a short film, a script is absolutely necessary.

ショートフィルムを撮るときに、 台本は絶対に必要なものです。

I did one called "Afflicted Incorporated", where it was all of these girls

Afflicted Incorporatedという作品を撮影し、 そこでは女の子が

in crazy make-up, sort of personifying diseases.

擬人化的な病気にかかり、 クレイジーなメイクが必要でした。

So I was anorexia, my friend was bi-polar disease,

私が拒食症で、友人は躁うつ病で、

someone was body dysmorphic disorder.

他の人は、体の形成異常を持っていました。

If I did not have a script, then we would not have made our day,

もし台本を持っていなければ、 大変なことになっていて、

because six hours of the day had to be devoted into make-up.

一日６時間がメイクに費やされたからです。

And so one by one the girls would be coming out of make-up

一回ずつ、女の子たちがメイクを終えて、

and we would have to shoot their coverage.

そのシーンを撮影したのです。

If I didn't have a script I would have no idea what lines they would say,

もし台本を持っていなければ、 どのセリフをいうのかわからないので、

where they are when they are saying those lines, or even what their emotional stakes are

ポジションや、いつそのセリフをいうのか、 どのような感情を示すのかなど、

in that moment.

そのシーンでまったくわからないのです。

It is absolutely essential that everyone on your crew has access to it,

クルーの全員が台本にアクセスできることが 絶対大事で、

so they can give you input and ideas on how to shoot a certain scene.

彼らも一定のシーンを撮影中に、 アイデアを投げかけてくれるからです。

Especially if your expertise isn't in like camera department or lighting,

特に自分の得意分野がカメラや照明ではない場合、

so then people can put in their ideas and really hone in on the tone that you were going for

クルーがアイデアをくれて、それが自分の 求めていたトーンにしっかりと突き進む

in your writing.

こともあります。

A script allows you and your producers to control the scope and budget

台本は、プロデューサーが作品を 詳しく見ることとバジェットを

of what you are creating.

コントロールできるツールです。

So you're not kind of writing things that you can't realistically afford to shoot.

自分が現実的に金銭の余裕がない 撮影を書くことはできないのです。

And finally, having a script helps you plan your schedule.

最後に、台本はスケジュールの プランニングに便利です。

It is 1,000 times easier to plan your day, when you actually know what it is you're shooting.

一日のスケジュールを決めるのに、１０００倍簡単になり、実際何を撮影しているのかすぐにわかります。

I drink the script koolaid. I think that they are absolutely essential

その台本のジュースを飲み、 それが非常に必要なものだと実感し、

in almost all genres that you're doing.

それをすべてのジャンルに起用します。

So when I do a script, if I'm doing like a regular sketch, or a regular Vlog,

台本を書くときは、通常のスケッチを描いたり、 ビデオブログをするのと同じで、

I always break it down in; setup-punch, setup-punch, setup-punch.

セットアップ→パンチ、セットアップ→パンチ、 セットアップ→パンチと分解していきます。

It's incredibly imperative for me, since I do monologues to the camera,

カメラの前で一人芝居をするのですから、 自分にとって非常に不可欠です。

that then have cut aways that interrupt that monologue,

そのモノローグを邪魔するものを削除するもので、

to punch up whatever it was that I was previously saying.

前に言っていたことと衝突をするものです。

For narratives, for short films, there's no way I can do a short film without a script.

物語に関してですが、ショートフィルムでは、 台本なしではショートフィルムはできません。

Cause it's so cost inefficient.

コストが効率的ではないからです。

If I show up on set and I'm like, ok think, maybe we'll do a shot here

セットに出向いて、ここでショットを撮って、

ok, now that we are done with that shot, maybe we'll go over here...

オッケー、そこで撮って、そこもいいかな、なんて

that wastes everybody's time and you're definitely not going to make your day,

それは皆の時間の無駄になり、 いい結果を得られないでしょう、

even if you have 16 hours to complete your shoot.

自分の撮影を終えるのに１６時間あるとしてもです。

A way that I kind of break down my scripts into production elements,

台本をプロダクションのエレメントに分解する方法は、

is to go through it with different color highlighters,

違った色の蛍光ペンを使うことで、

with each color representing a unique production element.

各色がユニークなプロダクションエレメントを象徴します。

So yellow can be props or pink can be costumes,

黄色が小道具、ピンクがコスチューム、

that way, once your done with this color scheme,

そうすると、色の配列を終えると、

you can tell, at a glance, all the items that are necessary to plan your production.

すぐにすべてのアイテムがプロダクションを プランするのに必要だということがわかります。

Now the fun part. Controlling your budget and breaking down your script. Yes.

ここが楽しい部分です。バジェットをコントロールして、 台本を分解することです。イエス！

So having a script can allow you to gauge what your overall budget will be,

スクリプトを持つことは、全体のバジェットが どうなるのか測定することができ、

and help you determine, if realistically, you need to scale back on anything

現実的に何の規模を縮小しないといけないのか、 決めることができ、

prior to shooting.

それを撮影前に知ることができます。

This can be very, very important. Especially if you're on a tight budget.

これは非常に非常に重要です。特にもしタイトな バジェットで作成をしているのでしたら。

The last thing you wanna do is overspend on something you're not really willing to.

自分がしたくもないことに、お金を費やしすぎる なんてことはしたくないはずですから。

Once you've gone through the script and done all of that,

一度台本を全部見て、それが終わると、

write a list of everything that you need to make your production happen.

プロダクションを可能にするための必要事項を すべてリストに書き出します。

And once you've accounted for every single item, make a calculation and find out your total.

そしてすべてのアイテムの値段の計算をし、 トータルを出します。

And ask yourself, can you afford to make this film, with the script that you currently have?

そしてこのフィルムを今の台本で金銭面で可能か？

If not, then you might wanna go back and rework scenes in your script,

もしそうでなければ、元へ戻って台本のシーンをやり直しし、

or cut down on the cost in some way.

もしくはどうにかしてコストをカットするのです。

You might even consider cutting out a scene entirely,

そのシーンを完全にカットすることも必要かもしれません、

that may not have been moving the story forward anyway.

それがストーリーを前進させるのに必要ないことかもしれません。

I like to do a lot of science fiction comedies.

サイエンスフィクションのコメディーを多く撮ります。

And usually those have elements with prosthetics or robotic baby aliens of the sort.

それらは大抵補綴やロボットの宇宙人の 赤ちゃんとかそういう要素が入っています。

So it's very, very important that I know exactly how much all this is going to cost me,

なので、それがいくらかかるかを知るのは、 非常に重要なことなので、

so that my checks don't bounce.

小切手を不渡りにしないために必要です。

An example of being over budget that I remember is my short film Pregnapocalyse.

オーバーバジェットの例は、 私のショートフィルムPregnapocalyseのときでした。

Where these four girls wake up and they find out that every woman in the world,

4人の女の子が朝起きて、世界中の女性が

even little kids, who are female, are all pregnant.

小さい子も含めて全員妊娠をしていたと。

And we don't know what the hell is going on.

それで何が起こっているのかわからない。

So for this short, I had to actually go back and look at everything,

このショートフィルムでは、実際後戻りして すべてを見返し、

cause the baby alien prop, that like moved and smile and danced

宇宙人の赤ちゃんが出てきて、 動いて、笑ってダンスして、

cost about $2,500.

それが$2,500ほどかかりました。

And my total budget for the entire thing was about three to four grand.

フィルム全体のバジェットとしては 3千か4千ドルを考えていました。

So to kind of accommodate that, I went back and I rewrote it,

なのでそれに対応するために、書き直しをし、

so that everything took place in one setup.

一回のセットで、すべてが撮影されるようにしました。

We did one long take instead of having a bunch of cut-aways

いくつかの断片ではなく、

to different aspects around the world.

一回の長いシーン撮りをしました。

And that saved me so much time and so much money,

そしてそれが時間とお金のセーブになり、

that we could put all of our attention on lubing up the baby

赤ちゃんの油塗りにもっとエネルギーを費やすことができ、

and making sure we got the best smile from it and having it dance with like a little guitar.

そこから笑いを取ることができて、 小さなギターのようにダンスさせることができたのです。

And kind of made me reevaluate where the money should be spent in a short like that,

それがお金がどのようにそのようなショートフィルムに使われるのか、再考させられ、

which of course, would be, selling this tiny little baby alien.

それがこのちっちゃなベビーエイリアンを 売ることになったのです。

And kind of helped me reevaluate how I do budgeting in general.

そしてバジェットを組むことの再考の重要さを知ったのです。

You might wanna use dialogue that reflects the voice of your target audience.

ターゲットオーディエンスの声を反映する ダイアログを使いたいと思うかもしれません。

And one really great thing about writing a script is,

台本を書くうえで大切なことのひとつに、

that it allows you to develop characters,

登場人物を進化させることがあり、

and give them a specific voice that will really speak to your fans.

ファンが気に入るような、特別な声を使わせたりするのです。

One of the most challenging aspects, I think, for scriptwriting,

そこで一番大変なのは、台本書きだと思い、

is to reveal characters through action versus dialogue.

ダイアログではなくアクションで登場人物を 公開することにあります。

And that is something that I currently struggle with.

それが今自分が奮闘していることですね。

And when you notice it in a film or on TV, it's brilliant.

そしてフィルムやＴＶで気がつくと、 素晴らしいことだと感じます。

It's telling me something about a character, without him having to say a single word.

登場人物が、声を出して何かを言わずに、 そのキャラクターについて語ってくれるのですから。

And that can be the way a character reacts to something,

それが登場人物が何かに反応する方法でもいいのです、

or the way a character looks at someone,

もしくはキャラクターが誰かを見る方法、

in books, I know with J.K Rowlings Harry Potter, we knew so much about Harry Potter

ＪＫローリング、ハリーポッターでは、 皆ハリーポッターのことをよく知っていますが、

just because of his aunt and uncle and how much they hated him.

それは彼のおじとおばのおかげで、 彼らがどれだけハリーを嫌っていたからで。

And that made us love him so much more.

それが彼をホントに好きにさせるものになったのです。

And so it does come to a point, where when you are writing your script,

そしてそれが台本を書くときになると、

you don't want it to just be talking heads.

ただスポットライトをあてるだけではだめなのです。

You don't want people to just be talking about each other or talking about what's going on,

お互い話すだけ、もしくは何が起きているのか語るだけではダメで、

or just doing dialogue for the sake of doing dialogue.

ダイアログのためのダイアログでもだめだのです。

There's so many instances in real life,

実際の生活ではいろんな場面があり、

when I will see something about someone, and know who they are

何かを行っている誰かを見て、誰なのか知っており、

if someone was over there and just dropped their coffee and slowly walked away from it,

もし誰かがそこにいて、コーヒーをこぼして、 そこからゆっくり歩き出して

and left. I would know a lot about that person.

そこから去ったと。そう人に関して多く知ることができます。

So dialogue exempt action, I think is the number one thing that

ダイアログを適用しないアクション、それが一番

I wanna work on in scriptwriting.

私が台本書きでがんばりたいことだと思います。

And is also one of the strongest elements I've ever seen in the medium.

今まで観た作品で一番強烈な要素のひとつだとも思います。

And how does a script translate in time on screen?

どのように台本がスクリーンにそのまま表現されるするのか？

And how long do people watch that for?

どのくらいの期間人が観覧しているのか？

Well one script page roughly equals one minute of screen time,

ひとつの台本のページはだいたい、 スクリーンタイムでいうところの、1分に値し、

that's kind of like the overall rule.

それは通常のルールでもあります。

So if you're trying for a five minute narrative short,

もし5分の談話のショートフィルムを作る場合、

but you have a nine page script, then you'll know right away that a lot of it needs to get cut.

9ページの台本があり、 すぐに多くがカットされる必要があるとわかります。

You can also tide in scripts based on your viewers level of engagement.

オーディエンスと、どれだけしっかり観てくれているかによって、 台本に入れることもできます。

So if you look at your YouTube analytics,

もしユーチューブの分析を見て、

and see where fans are falling off,

ファンがどの部分で去っているのかを見ると、

you might wanna think about making your content a little shorter,

どの部分のコンテントを短くするべきか考えさせられ、

and closer to that engagement level.

没頭レベルに近づくことをすべきなのです。

Or you may experience the opposite,

もしくは反対の場合で、

where fans are fully engaged throughout,

ファンが完全に終始没頭してくれているのであれば、

and that's maybe when you wanna consider having a bit more content there.

もっとコンテンツを増やすべきなのかもしれません。

Well I hope you learned a lot from this lesson,

このレッスンから多くを学べてくれたら嬉しいです。

thank you so much for watching.

ご観覧ありがとうございました。

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