Name: 30日間で30のアートスタイルを試してみた（完全な旅） (I Tried 30 Art Styles in 30 Days (Full Journey))
Uploaded: 2025-10-20T04:07:22.000Z
Duration: 32 min 25 s
Description: VoiceTubeの動画で発音を聞きながら英語表現を覚えよう！学べる英語：

There's a saying, every child is an artist.

子供は皆、芸術家だという言葉があります。

The problem is how to maintain one when we grow up.

問題は、大人になってもその芸術家であり続ける方法です。

その言葉はピカソのものです。

And for me, that problem became my reality.

そして私にとって、その問題は現実のものとなりました。

I stopped making art since life, bills and responsibilities got in the way.

生活や請求書、責任が邪魔をして、アート制作をやめてしまいました。

So I challenged myself to create 30 pieces in 30 days, each in a different style, to see if that creative version of myself is still there.

そこで、30日間で30作品を、それぞれ異なるスタイルで制作するという挑戦をしました。自分がクリエイティブな人間でいられるのかどうかを確認するためです。

What followed was frustrating, surprising, and beautiful all at once.

その後、フラストレーション、驚き、そして美しさが一度に訪れました。

I hope this video helped to inspire and reignite your creative spark too.

この動画が、皆さんのクリエイティブな火花を刺激し、再び燃え上がらせる助けになったなら幸いです。

For the first painting, I wanted to start with something simple.

最初の絵は、シンプルなものから始めたいと思いました。

Just relearning what brushes to use again and how to blend colors on the canvas.

どの筆を使えばいいのか、そしてキャンバスの上で色をどう混ぜ合わせるのかを、もう一度学び直すだけです。

This piece was inspired by safari trip with my wife, watching birds fly across the sky.

この作品は、妻とのサファリ旅行で、鳥が空を横切って飛ぶのを見たことからインスピレーションを得ました。

It reminded me we all need space to rediscover who we are.

それは、私たち全員が自分自身を再発見するためのスペースを必要としていることを思い出させてくれました。

This painting wasn't perfect, but neither am I.

この絵は完璧ではありませんでしたが、私も完璧ではありません。

そして、おそらくそれがポイントなのでしょう。

After so many years away from art, I was just proud I made something.

アートから離れて何年も経った後、何かを作れたことを誇りに思いました。

I thought the artist in me had disappeared, but this piece reminded me he's still here.

私の中のアーティストは消えてしまったと思っていましたが、この作品は彼がまだここにいることを思い出させてくれました。

最初の1つが終わりました、あと29個です。

After picking up the brush again, I wanted to push myself with something completely different.

もう一度筆を手に取った後、全く違うもので自分をプッシュしたくなりました。

そこで、私は漆喰に挑戦しました。

This piece was inspired by the work of Textures by Jess.

この作品は、Textures by Jessの作品からインスピレーションを得ました。

I spent the first half of my career in construction, trading paintbrushes and creativity for tools and structure.

私のキャリアの前半は建設業で、絵筆と創造性を道具と構造と交換しました。

So using plaster again felt like pulling together different parts of my past into one piece.

だから漆喰を再び使うのは、私の過去の異なる部分を一つの作品にまとめるような感覚でした。

でも漆喰は絵の具とは違います。

It's chunky, it dries fast, and once it sets, there's no undoing.

それは塊で、すぐに乾き、一度固まると元には戻せません。

So to buy myself more time, I mixed it with acrylic medium and extender, and it actually worked.

だから時間を稼ぐために、アクリル絵の具のメディウムとエクステンダーを混ぜてみたのですが、それがうまくいったんです。

It reminded me that even skills from a past life can spark something new.

過去の経験からのスキルでさえ、新しいものを生み出すきっかけになることを思い出させてくれました。

What I didn't know was that plaster would return again later in this series and make me question my creative abilities.

知らなかったのは、このシリーズの後半で漆喰が再び登場し、私の創造的な能力に疑問を抱かせることになるということでした。

By day three, I wanted to try something a little softer.

3日目には、もう少し柔らかいものを試したくなりました。

そこでオイルパステルを使ってみました。

They're everywhere right now, so I had to give them a try.

今、どこにでもあるので、試してみなければなりませんでした。

I was inspired by a trip to Paris where I saw the famous large scale Water Lilies by Monet.

モネの有名な巨大な「睡蓮」を見たパリ旅行からインスピレーションを受けました。

あの柔らかく、夢のような雰囲気。

I wanted to see if I could capture a little bit of that.

その雰囲気を少しでも捉えられるか試してみたかったんです。

でも、そこで間違いを犯してしまいました。

I used a smooth wood panel as my base, and the surface was way too slick.

ベースに滑らかな木製パネルを使ったのですが、表面がツルツルすぎたんです。

何も引っかかってくれませんでした。

だから、自分には無理、そして皆さんにもそうかもしれません。

Next time, use a surface with more texture.

次回は、もっとテクスチャーのある表面を使ってみてください。

Once I got the hang of it, I finally understood the hype.

コツを掴んだら、ついにその人気の理由が分かりました。

Oil pastels are really beginner friendly.

オイルパステルは本当に初心者向けなんですね。

For one, they never really dry, which means unlimited Blending time.

まず、乾きにくいので、無限にぼかし時間を楽しめます。

And with just your fingers or a palette knife, you can get bold, creamy textures instantly.

指やパレットナイフだけで、大胆でクリーミーな質感をすぐに表現できます。

一番良いのは、筆も片付けもいらないことです。

手に取ってすぐに始められます。

And even though this is only day three, I already knew this was going to be one of my favorites.

まだ3日目ですが、これはお気に入りの一つになるだろうとすでにわかっていました。

I it was the first style that made me stop and think, maybe I can fall in love with making art again.

アートを作ることに再び恋ができるかもしれないと思わせてくれた最初のスタイルでした。

By day four, I went back to acrylics, but this time with a new medium.

4日目にはアクリル絵の具に戻りましたが、今回は新しい画材を使いました。

I've been seeing Werner Bronkhart's chunky acrylic gel paintings everywhere, and

Werner Bronkhartの重厚なアクリルジェルの絵をあちこちで見かけていたのですが、

something about that thick sculptural style just looks so satisfying.

その厚みのある彫刻のようなスタイルがとても満足感があるように見えました。

This was my first time using heavy gel with acrylic paint, and

アクリル絵の具にヘビーゲルを使ったのはこれが初めてで、

honestly, I had no idea how it would turn out.

正直、どうなるか全く分かりませんでした。

For this piece, I wanted to make it personal.

この作品では、個人的なものにしたかったんです。

I grew up playing baseball in Hong Kong, and

香港で野球をしながら育ったのですが、

I knew I had to include a baseball themed piece somewhere in this series.

このシリーズのどこかに野球をテーマにした作品を入れたいと思っていました。

The problem is, my natural painting style is really flat, and I think I overworked it.

問題は、私の自然な絵のスタイルは本当に平坦で、やりすぎたと思うことです。

Instead of letting the paint sit on the surface so it didn't quite hit that chunky, textured look I was going for.

絵の具が表面に留まるのではなく、狙っていたずっしりとした質感のある見た目にはなりませんでした。

But that's why I started this series, to push myself into new techniques and new territory.

でも、それがこのシリーズを始めた理由なんです。新しいテクニックと新しい領域に自分を押し出すために。

私はバッターボックスにいる自分を描きました。

そして、はい、私は左利きです。

That's why I'm on the other side of the plate.

だから、私はプレートの反対側にいるんです。

Even if it wasn't perfect, it pulled me out of my comfort zone.

完璧ではなかったとしても、それが私をコンフォートゾーンから引き出してくれました。

And sometimes the pieces that feel more personal than polished end up meaning the most.

そして、磨き上げられたものよりも個人的に感じる作品が、最も意味を持つことがあります。

By day five, I wanted to try something simple but striking.

5日目には、シンプルでありながら印象的なものを試したくなりました。

This piece was inspired by bouquet photography of Hong Kong, the city where I grew up.

この作品は、私が育った街、香港のブーケ写真にインスパイアされました。

My childhood was surrounded by neon lights on every corner, glowing signs reflecting off the streets.

私の子供時代は、角々にネオンサインが灯り、通りに光る看板が反射していました。

Now, with bokeh art, you don't need perfection.

今、ボケアートでは、完璧さは必要ありません。

正確さや細部も必要ありません。

It's just soft circles of colors blending and overlapping like an out of focus lens.

それは、ピントがぼけたレンズのように、色が重なり合って混ざり合う柔らかな円です。

I started blending different colors together, letting the shapes overlap.

私は異なる色を混ぜ合わせ、形が重なるようにしました。

The process was surprisingly relaxing, almost meditative, and

そのプロセスは驚くほどリラックスできて、ほとんど瞑想的で、

it reminded me you don't need to be a great painter to feel like an artist.

それは、偉大な画家でなくてもアーティストのような気分になれることを思い出させてくれました。

This became one of those styles I recommend anyone to try, even for a beginner.

これは、初心者でも試してみることをお勧めするスタイルの一つになりました。

One evening, I noticed the sunset casting the perfect silhouette of my plants.

ある晩、夕日が植物の完璧なシルエットを投げかけているのに気づきました。

So I grabbed a canvas and quickly started tracing it before the shadow shifted.

そこでキャンバスを手に取り、影が動く前に素早く輪郭をなぞり始めました。

Once I created the outline, it was simply just filling in the colors.

輪郭ができたら、あとは色を塗りつぶすだけでした。

Compared to some of the other pieces so far, this one came together quite quickly.

これまでの他の作品と比べると、この作品はかなり早くまとまりました。

It reminded me of the bokeh painting from the day before.

前日のボケアートを思い出しました。

You don't need to be precise or detailed.

正確さや細部は必要ありません。

柔らかな形と柔らかな影だけです。

Also, the color palette was inspired by the talented artist at Plin Art.

また、カラーパレットはPlin Artの才能あるアーティストからインスピレーションを得ました。

As I continued this piece, it showed me the importance of layering, of slowly building depth.

この作品を進めるうちに、レイヤーの重要性、ゆっくりと深みを築き上げていくことの大切さを教えてくれました。

And honestly, it felt like I had a dose of vitamin D just by painting this simple and soothing.

そして正直、このシンプルで心地よい絵を描いているだけで、ビタミンDを摂取したような気分になりました。

What strike me was how simple the idea was, and yet it felt like art.

私が驚いたのは、アイデアがとてもシンプルなのに、まるでアートのように感じられたことです。

How often do we overlook inspiration in the everyday?

日常の中に隠されたインスピレーションを見過ごしてしまうことは、どれくらいよくあることでしょうか？

影のようにシンプルなものでさえ、そうでしょうか？

For this piece, I wanted to push myself with something a little unexpected.

この作品では、少し意外なことに挑戦して、自分自身をプッシュしたかったのです。

Cardboard makes up so much of our waste, and I thought, why not give it a second life?

段ボールは私たちの廃棄物の多くを占めていますが、もう一度命を吹き込んではどうだろうかと思いました。

The style I tried is called abstract relief structure.

今回試みたスタイルは、抽象レリーフ構造と呼ばれています。

It's basically three dimensional shapes built on top of a flat background.

これは基本的に、平らな背景の上に構築された立体的な形状です。

I started cutting large pieces from the box, moving them around again and again until the composition felt right.

箱から大きなピースを切り出し、構図がしっくりくるまで何度も動かしました。

この作業に一番時間がかかりました。

With abstract shapes, the possibilities are endless.

抽象的な形だと、可能性は無限大です。

And finding something that felt balanced was more challenging than I thought.

そして、バランスの取れたものを見つけるのは、思った以上に大変でした。

Once I had the layout, I layered it over with paper towel and Mod Podge, then added plaster to tie everything together.

レイアウトが決まったら、ペーパータオルとモッドポッジで重ねて、石膏で全体をまとめました。

But at first it looked too flat, almost like plastic.

でも最初はプラスチックみたいに、平坦に見えすぎたんです。

So I pulled out the modeling paste I'd used for the baseball piece and used a sponge to to create more texture.

そこで、野球の作品に使ったモデリングペーストを取り出して、スポンジでテクスチャをつけました。

That small change made a huge difference.

その小さな変化が、大きな違いを生みました。

This box was headed for the recycling bin.

この箱はリサイクル行きでした。

But now it's a part of something creative, something meaningful.

でも今では、クリエイティブで意味のあるものの一部になったのです。

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