It's time for episode eight of 10 Minutes to Better Painting.

10ミニッツ・トゥ・ベター・ペインティング』第8話のお時間です。

I am your ethically questionable host, Marco Bucci.

私は倫理的に問題のあるホスト、マルコ・ブッチだ。

Let's get into the lesson.

レッスンに入ろう。

Champion boxer Chris Eubanks Sr. said, there is a simple explanation when one moves aside all the things that distract from the point.

チャンピオン・ボクサーのクリス・ユーバンクス・シニアは、論点から目をそらすものをすべて脇に置けば、簡単な説明がつくと言った。

This episode is about art improvement, which falls under the category of study.

このエピソードは芸術の向上についてのもので、勉強の範疇に入る。

You know, the intern and I, we have, okay, we've put together many different things for you to study.

インターン生と私は、君たちが勉強できるようにいろいろなことをまとめたんだ。

Each episode gives you a single thing that can improve your paintings.

各エピソードは、あなたの絵画を向上させることができる一つのことを教えてくれる。

Today, we'll take the next step and look at a picture using not one lesson, not two lessons, but every lesson.

今日は次のステップに進み、1レッスンでも2レッスンでもなく、すべてのレッスンを使って写真を見てみよう。

Ah, Venice, so much potential for painting.

ああ、ベネチア、絵の可能性にあふれている。

Our episode wheel here will keep track of which lesson I'm pulling from and in turn, wheel us to episode two.

ここにあるエピソード・ホイールは、私がどのレッスンから引っ張ってきたかを記録し、順番にエピソード2へと導いてくれる。

In episode two, we looked at ideas for clear visual communication.

エピソード2では、明確なビジュアル・コミュニケーションのアイデアについて考察した。

I'm seeing an opportunity here for a C curve, a simple directional path that can curate this composition.

私はここに、Cカーブ、つまりこの構図をキュレーションできるシンプルな方向性の道筋のチャンスを感じている。

It leads us through all the major elements and arrives at a focal point, which I think can be these structures up here.

それはすべての主要な要素を通して私たちを導き、焦点に到達させる。

I'm choosing them as my focal point because there are three types of contrast at play there.

私が焦点として選んだのは、そこに3種類のコントラストがあるからだ。

First, most of the picture is rectangular shapes, making these round shapes feel special.

まず、写真のほとんどが長方形で、この丸い形が特別に感じられる。

Second, a contrast of busyness, lots of busyness here with less busyness up here.

第二に、忙しさの対比だ。ここは忙しさが多く、ここは忙しさが少ない。

And finally, it's an area of clear value contrast.

そして最後に、明確な価値観の対比ができる分野である。

These structures silhouetting against the sky.

これらの建造物は空を背景にシルエットを描いている。

Your focal point is a kind of payoff element and a path can lead the viewer to it.

フォーカルポイントは一種の見返りの要素であり、道は見る人をそこへ導くことができる。

Here's Joseph Zabuckvich doing the same thing in this painting.

ジョセフ・ザバックヴィッチはこの絵で同じことをしている。

This time it's a single point from which paths emanate and take us through the composition.

今回は一点であり、そこから道筋が発せられ、私たちをコンポジション内へと導いてくれる。

Zabuckvich also pays off the image with a high contrast focal point.

ザバクヴィッチはまた、コントラストの強いフォーカルポイントでイメージを引き締めている。

What do you want?

何が望みだ？

What?

え？

Zabuckvich?

ザバックビッチ？

How do you know that?

どうしてそう思うんだ？

You're reading YouTube comments?

YouTubeのコメントを読んでいるのか？

Oh dear God.

なんてことだ。

Anyway, Joseph Zabuckvich is using the same language here as I am here.

とにかく、ジョセフ・ザバックビッチはここで私と同じ言葉を使っている。

We're just rearranging the words for different meanings.

私たちは言葉を並べ替えて違う意味にしているだけだ。

And I'll probably crop this to make sure my delivery is clear.

そして、私はおそらく、私の配達が明確であることを確認するためにこれをトリミングするだろう。

Of course, I can still borrow elements where I need them.

もちろん、必要なところではまだ要素を借りることができる。

All right, intern, wheel to episode one, please.

では、インターンの皆さん、エピソード1へどうぞ。

In episode one, we talked about simplification.

エピソード1では、簡素化について話した。

Venice, like many things in real life, is beautiful, but also absolutely assaults you with information.

ベネチアは現実の多くのものと同様、美しいが、同時に絶対的な情報量であなたを襲う。

Everywhere you look, shapes that demand attention.

どこを見ても、注意を引く形をしている。

This poses a problem.

これには問題がある。

I want the most attention to be directed at my focal point, not this tangle of stuff.

私は、自分の焦点に最も注意を向けてほしいのであって、このようなごちゃごちゃしたものではないのだ。

So I'll do a quick pass with my special merging shapes brush.

そこで、特殊なマージシェイプブラシで素早くパスしてみる。

And we're left with something that still delivers all those docks, boats, and reflections, but in a way that's less incidental and more digestible.

そして、ドック、ボート、そして反射のすべてを、より付随的でなく、より消化しやすい形で提供するものが残った。

For instance, in this one area, the original had 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9 shapes.

例えば、このエリアでは、オリジナルは1、2、3、4、5、6、7、8、9の形をしていた。

Such a minor area, I don't think needs nine shapes.

こんなマイナーなエリア、9つの形は必要ないと思う。

I think I can do it in one shape.

一つの形ならできると思う。

Also keep in mind, you can merge together entire objects too.

また、オブジェクト全体をマージすることもできる。

Instead of showing the complete silhouette of every post here, I'll go the opposite way and kind of melt them all together.

すべての記事の完全なシルエットをここで紹介する代わりに、私は逆に、それらをすべて溶かしてしまうようなことをする。

The shapes that break up that meltiness give you the necessary clues to solve this area.

そのとろけるような感触を壊す形が、このエリアを解くのに必要なヒントを与えてくれる。

It's fun to paint, and it's like a mini-mystery that engages the audience, and allows for a more active viewing experience.

絵を描くのは楽しいし、観客を巻き込むミニミステリーのようなもので、より能動的な視聴体験ができる。

Oh great, another YouTube comment.

またYouTubeのコメントか。

Please enlighten us.

ご教示ください。

I sound what?

何の音？

I have no idea what you're talking about.

何を言っているのかさっぱりわからない。

Just spin us to episode 3, would ya?

エピソード3まで回してくれないか？

Episode 3 was about varieties of edge, taking different shapes and values and softening them to various degrees.

エピソード3は、エッジの多様性についてで、さまざまな形や値をとり、さまざまな程度に柔らかくする。

Different edges make for different visual interactions.

エッジが異なれば、視覚的な相互作用も異なる。

We just looked at some of the benefits of the lost edge, so now let's look at its opposite, the hard edge.

ロスト・エッジの利点をいくつか見てきたが、次はその反対、ハード・エッジを見てみよう。

Where lost edges create alluring mystery, hard edges make for clear readability, and you can use them together.

ロスト・エッジが魅惑的なミステリーを生み出すのに対し、ハード・エッジはクリアな読みやすさをもたらし、両者を併用することもできる。

Anders Zorn is using lost edges here to merge the darks into nearly a single shape.

アンダース・ゾーンはここでロストエッジを使い、ダークな部分をほぼひとつの形に統合している。

Meanwhile, the hands, beard, and highlights on the glass, as well as this part of the silhouette, draw attention with relatively harder edges.

一方、手、ひげ、グラスのハイライト、そしてシルエットのこの部分は、比較的硬いエッジで注目を集めている。

And you don't even need a fancy brush to do this.

そのために高級なブラシは必要ない。

Check this out.

これを見てほしい。

Let's bring in some hard-edged shapes.

硬派なシェイプを持ってこよう。

Those edges are so sharp you can cut yourself.

そのエッジは鋭く、自分自身を切ることができる。

But watch this.

だが、これを見てくれ。

If I just compress the value range, the whole thing looks, or perhaps feels, softer, despite the physical edges being unchanged.

値域を圧縮するだけで、物理的なエッジは変わらないにもかかわらず、全体がソフトに見えるというか、ソフトに感じられる。

And here's Walter Everett putting this into practice.

そして、これを実践しているのがウォルター・エヴェレットだ。

The figures feel sharper than their surroundings, not because of brushwork.

人物が周囲よりもシャープに感じられるのは、筆致のせいではない。

It's the value organization.

それが価値ある組織だ。

So I'll plan to use a combination of these techniques in my Venice painting.

だからベネチアのペインティングでは、これらのテクニックを組み合わせて使うつもりだ。

I really enjoy working with soft and lost edges.

ソフトエッジやロストエッジを使うのが好きなんだ。

They just give you a... uh... what's a good way of saying it?

ただ...ええと...何て言えばいいんだろう？

They give you... what?

何をくれるんだ？

Yeah, low resistance.

そう、低抵抗だ。

That's totally it.

それだけだ。

Soft and lost edges, then, provide easier passage through areas of a picture.

ソフトで失われたエッジは、絵の領域を通りやすくする。

Huh.

へえ。

YouTube comments can be useful.

YouTubeのコメントは役に立つ。

Any other good ones there?

他にいいものはある？

Have a doi- okay.

じゃあ、またね。

Who is Yong Yeh?

ヨン・イエとは？

Ugh, copycat artist.

うっ、模倣芸術家。

Wheel to episode 4, please.

第4話まで輪をお願いします。

Episode 4 talked about how paintings are made of many shapes.

第4話では、絵画がいかに多くの形からできているかについて話した。

To have a painting that reads clearly, each little shape should be as readable as possible.

はっきりと読み取れる絵を描くには、それぞれの小さな形が可能な限り読み取れるようにしなければならない。

These shapes look like the result of accident, rather than intention.

これらの形は、意図的ではなく、偶然の結果のように見える。

They're prone to become muddled, and are less quickly readable.

このようなものは混同されやすく、すぐに読むことができない。

A better home for those shapes might be- yeah.

そのような形状には、より良い家が......そうだ。

So what I do is kind of think about where a shape is headed, and then design it the rest of the way there.

だから私がしているのは、ある形がどこに向かっているのかを考えて、そこに向かって残りの部分をデザインすることなんだ。

Your own design sense is important here.

ここで重要なのは、あなた自身のデザインセンスだ。

Well-designed shapes will stay quickly readable, even when shrunk way down.

うまくデザインされた図形は、かなり縮小しても、素早く読める状態を保つ。

So with our Venice scene, not only do I want the overall shapes to be well-designed, but I will apply that scrutiny to each tiny shape as well.

だから、今回のベニスのシーンでは、全体的なシェイプがうまくデザインされていることを望むだけでなく、小さなシェイプのひとつひとつにもその精査を適用する。

Shapes are like little worker ants.

形は小さな働きアリのようなものだ。

They can't do the work alone, but together, are able to achieve something complex.

彼らは一人では仕事をこなせないが、力を合わせれば複雑なことを成し遂げることができる。

Also, check for some variety in the negative spaces.

また、ネガティブ・スペースにバリエーションがあるかどうかもチェックしよう。

Variety is usually more interesting than repetition.

通常、反復よりもバラエティの方が面白い。

In fact, variety is at the heart of so many of these lessons.

実際、これらのレッスンの多くはバラエティーに富んでいる。

It just seems to be one of those basic human- Okay, that does it.

それは人間の基本的な......よし、それでいい。

Intern!

インターン

Bring Yong-Year to me, alive!

生きているヨンヨンを連れて来い！

So let's put some color to this, using episode 5's color wheel to chart the progress.

そこで、エピソード5のカラーホイールを使って、進捗状況を図式化してみよう。

I'm beginning by putting down colors from both the warm and cool sides of the color wheel, but keeping everything close to gray.

私はまず、カラーホイールの暖色側と寒色側の両方から色を置いているが、すべてグレーに近い色にしている。

My overall plan of attack here is to branch outward into saturation.

ここでの私の全体的な攻撃計画は、飽和状態へと枝分かれしていくことだ。

Like right now, I'll add some more saturated blues and reds into this field of neutrals.

今みたいに、このニュートラルな色調の中に、もっと彩度の高い青や赤を加えてみる。

You don't need a lot of saturation just for things to look colorful.

カラフルに見せるために彩度を上げる必要はない。

Against a foundation of neutrals, even the most slight move toward saturation will feel colorful.

ニュートラルな色を土台にすれば、彩度へのわずかな動きもカラフルに感じられる。

Because, episode 5, colors talk to each other and create context.

というのも、エピソード5では、色は互いに語り合い、文脈を作り出す。

Of course, I hope you're also tracking all the stuff we talked about in part 1.

もちろん、パート1で話したことをすべて追跡していることを願っている。

Color simply lays on top of those foundations.

色彩はその土台の上に乗るだけだ。

Looking at the color wheel, you can see how I'm systematically hatching my plan to move this way.

カラーホイールを見れば、私がどのように計画的にこの道を進んでいるかがわかるだろう。

Now, when I add a color, I try and see if I can carry it through multiple areas of the painting, not just relegate it to one spot.

今、色を加えるときは、その色を一か所だけに追いやるのではなく、絵の中の複数の場所に運べるかどうかを試している。

That keeps the palette feeling connected, and avoids that coloring book or local color-y look.

そうすることで、パレットにつながりが感じられ、塗り絵のような、あるいは地元の色のような印象を避けることができる。

And it helps that this scene is washed in a diffuse type of light, rather than a direct sunlight or something.

そして、このシーンが直射日光か何かではなく、拡散型の光で洗われているのが救いだ。

Color tends to weave together much more freely in a diffuse lighting condition.

色彩は、拡散した照明条件下でより自由に織り成される傾向がある。

And I do often use this kind of approach when I paint diffuse or ambient light.

そして、私は拡散光や環境光を描くときに、このようなアプローチをよく使う。

When you paint direct light, like a sunset, oftentimes your colors come in two families, a warm family and a cool family.

夕日のような直接光を描く場合、多くの場合、色には暖色系と寒色系の2種類がある。

And you can start your color conversation by blocking that out.

そして、それを遮断することで色の会話を始めることができる。

You know, maybe I'll do a future episode comparing direct and diffuse light.

将来、直接光と拡散光を比較するエピソードを書こうと思っているんだ。

Anyway, in episode 7, we talked about color notes.

とにかく、第7話ではカラーノートについて話した。

Episode 7 really goes hand-in-hand with episode 5, by the way.

ところで、エピソード7はエピソード5と密接な関係にある。

And one thing I like to do is, with the overall color trajectory in mind, that is, this direction I'm following, I can choose to exaggerate those trends, you know, break free of the main color conversation that's currently happening, and kind of go out on a limb, watch the color wheel here.

そして、私が好きなことのひとつは、全体的な色の軌跡を念頭に置いて、つまり、私が追いかけているこの方向性を念頭に置いて、その傾向を誇張することを選択することだ。

I can add, like, that red.

あの赤を加えることができるんだ。

Also here, I can accent the cyans, like this.

ここでも、こんな風にシアンにアクセントをつけることができる。

Color notes can be a bit disconnected like that, but they still make sense because they're extensions of the logic that's already in place.

カラーノートはそのように少しバラバラになることもあるが、それでも意味があるのは、すでにあるロジックの延長線上にあるからだ。

You could totally take the opposite route, start saturated, work in toward gray, though I do find that method slightly harder to control.

その逆で、彩度高めで始めてグレーに向かっていく方法もあるが、その方法はコントロールが若干難しいと思う。

So a few notes of purple, another boat, and our Venice study is complete.

というわけで、紫色のメモを数枚と、もう1隻のボートで、私たちのヴェネツィア研究は完了した。

You know, if I had to sum up this whole series in a single word, that word would be design.

このシリーズを一言で言うなら、"デザイン "だ。

In order to design, you have to select.

デザインするためには、選択しなければならない。

And to select, you have to be, well, thinking.

そして、選ぶためには、まあ、考えなければならない。

A lot of what a good artist does really well, I think, is they effectively remove stuff that would otherwise distract from the point.

優れたアーティストの多くは、そうでなければ論点から逸れてしまうようなものを効果的に取り除いていると思う。

The elements that remain in the picture, then, carry a real purpose.

写真に残る要素には、本当の目的がある。

A purpose that allows them to add up to more than the sum of their parts.

その目的は、それらを足し算してその総和以上のものにすることである。

And that's a fundamental characteristic of what I would consider good art.

そしてそれは、私が考える良い芸術の基本的な特徴でもある。

Huh, Yong, yeah, face to face at last.

ヨン、やっと会えたね。

You've been impersonating me on your channel, Yong.

あなたのチャンネルで私になりすましていたでしょ、ヨン。

Art theft and plagiarism ring any bells?

美術品の窃盗と盗作に心当たりは？

My intern said he'd like to do unspeakable things to you, and then you'll be banished from the YouTube art communi- Game news videos?

私のインターンは、あなたに言いようのないことをして、YouTubeのアートコミュニティーから追放したいと言っていました。

But the YouTube comments- Oh boy.

でも、YouTubeのコメントは......。

So how about those Bioware microtransactions, huh?

バイオウェアのマイクロトランザクションはどうだ？

What are you doing?

何をしているんだ？

I don't even think he sounds like me.

私の声とは似ても似つかない。