Which of these do you think you're gonna remember more by the end of this video, but why?

このビデオが終わるまでに、どちらがより記憶に残ると思いますか？

The last 30 years, I've been studying photography, not just the technical aspects of the craft, but more importantly, what makes a photo memorable.

この30年間、私は写真を研究してきた。技術的な面だけでなく、もっと重要なのは、何が写真を印象深いものにするかということだ。

I've come to the conclusion that photographers like Stephen Shaw, Mary Ellen Mark, Hugh Holland, are celebrated not just because of their technical skills, but because of something else fundamental that most of us, when we pick up a camera, completely overlook.

スティーブン・ショウやメアリー・エレン・マーク、ヒュー・ホーランドのような写真家が賞賛されるのは、単に技術的なスキルが高いからではなく、私たちの多くがカメラを手にしたときに完全に見落としている、何か別の基本的なものがあるからだという結論に達した。

But once I started to see what they were seeing in their photos, it radically changed my photography, and this is what we're gonna be looking at today.

しかし、彼らの写真に写っているものを見るようになってから、私の写真は根本的に変わった。

How's it, how's it?

どうだい、どうだい？

I was talking to somebody in the Teepee tribe the other day about their hotel images, which reminded me of Stephen Shaw.

先日、ティピー族の誰かとホテルのイメージについて話していて、スティーブン・ショウのことを思い出したんだ。

Now, Stephen Shaw's photos look ordinary.

今、スティーブン・ショウの写真は平凡に見える。

Diner, the street, a motel room, gas station.

食堂、通り、モーテル、ガソリンスタンド。

There's no dramatic lighting, there's no dramatic angles.

ドラマチックな照明もなければ、ドラマチックなアングルもない。

They are just the subject.

彼らはただの被写体だ。

Now, I have to say, I have a bias here because I love Stephen Shaw's photography, but having said that, the lessons that I'm learning from looking at his photos can be applied to any type of photography.

私はスティーブン・ショウの写真が大好きなので、ここでバイアスがかかっていると言わざるを得ないが、そうは言っても、彼の写真を見て学ぶことは、どんなタイプの写真にも応用できる。

So what is it about these pictures?

では、この写真についてはどうなのだろう？

Why are they collected, studied, hung in museums?

なぜそれらは収集され、研究され、博物館に飾られているのか？

Now, if you're not familiar with Stephen Shaw, he was like a major force in photography in the 1970s, bringing it into what I sort of feel is more of a modern era by photographing things in color and things that were just everyday objects in a very simple matter of fact way.

スティーブン・ショウをご存じない方もいらっしゃるかもしれませんが、彼は1970年代の写真界を牽引した人物で、カラー写真や日常的なものを非常にシンプルに撮影することで、写真界をより現代的な時代へと導きました。

And that's the key.

それが鍵だ。

There's no compositional gymnastics, there's no weird perspectives or color.

構成的な体操もなければ、奇妙な視点や色彩もない。

It is just what it is.

ありのままの姿だ。

The big issue with a lot of this compositional stuff that I was learning when I was younger is this, if you aren't used to using it, it can change the way that viewers interpret your photograph.

私が若い頃に学んでいた構図に関する多くの事柄の大きな問題は、もしあなたがその使い方に慣れていなければ、見る人があなたの写真を解釈する方法を変えてしまう可能性があるということです。

So Shaw strips all of that away.

だからショウはそれをすべて取り払った。

He doesn't try and grab our attention with a bizarre perspective.

彼は奇抜な視点で私たちの注意を引こうとはしない。

He simply presents a photograph and says, listen to it, it has a story of its own.

彼は単に写真を提示して、これにはそれ自身の物語があるから聞いてくれと言う。

I'm not going to interfere.

口出しするつもりはない。

I think that's the beauty of his photographs.

それが彼の写真の美しさだと思う。

And for a long time, I fell into that trap of trying to do cookie weird angles and what have you.

そして長い間、私はクッキーの変なアングルや何かをやろうとする罠に陥っていた。

And to be honest, yes, I do like it.

正直に言うと、そうだね。

But the other day I was at Duxford taking some photos and I thought, I'm going to try this.

でも先日、ダックスフォードで写真を撮っていて、これを試してみようと思ったんだ。

So I photographed some fence in a very simple standard 50 mil, nothing fancy kind of way.

そこで私は、ごくシンプルな標準的な50ミルのフェンスを撮影した。

And I really liked those pictures.

そして、私はあの写真が本当に好きだった。

And I've tried it again with other subjects.

そして、また他のテーマでも試してみた。

And to be honest, I feel those pictures are more memorable when I look at my body of work because they are simple.

そして正直なところ、私の作品群を見たときに、シンプルであるがゆえに、それらの写真の方が記憶に残るような気がする。

That's the beauty of this.

それがこの素晴らしさだ。

It is making a photograph simple, easy to get lost in.

それは、写真をシンプルで、夢中になりやすいものにすることだ。

But what happens when we take this idea of allowing the viewer to connect with the scene and apply it to people like Marianne Mark does?

しかし、マリアンヌ・マークのように、見る人がシーンとつながることを可能にするというこの考えを、人間に当てはめたらどうなるだろうか？

So Marianne Mark was like one of the greatest photojournalist documentary photographers of her time.

つまり、マリアンヌ・マークは同時代の最も偉大なフォトジャーナリスト・ドキュメンタリー写真家の一人だったわけだ。

But once again, because I was young and I didn't know any better when I first saw her work and it was this portrait of a young lady called Tiny who lived on the street, I didn't get it.

でも、彼女の作品を初めて見たとき、私はまだ若かったし、何もわかっていなかった。

It's like, what's so special about this?

これのどこが特別なんだ？

But it's only as I've gotten older that I understand what Mary is doing here.

でも、メアリーがここで何をしようとしているのかが理解できるようになったのは、年を取ってからなんだ。

She's allowing people, but just be themselves.

彼女は人々を許容している。

She's developing a sense of connection by building probably the most important thing that a portrait photographer, somebody else photograph people can build.

彼女は、ポートレート写真家、つまり人を撮る誰かが築ける最も重要なものを築くことで、つながりの感覚を育んでいる。

And that is trust.

そしてそれが信頼だ。

It took me a long time to learn how to actually build trust when I was taking portraits of people.

人物のポートレートを撮るとき、実際に信頼を築く方法を学ぶのに長い時間がかかった。

And eventually I realized that it comes down to firstly being genuine, being yourself, being prepared.

そして最終的には、まず本物であること、自分自身であること、準備することに行き着くのだと気づいた。

So you're not fussing over the gear the whole time, but more importantly, shutting up, letting the other person speak, letting them be themselves.

だから、ギアのことでずっと騒いでいるのではなく、もっと重要なのは、黙って相手に話をさせ、ありのままの自分を出させることなんだ。

And it's in those moments that Mary was so good at capturing where the veil drops and those people become themselves.

そしてメアリーはそのような瞬間にこそ、ベールが落ち、その人たちが自分自身になる瞬間を捉えるのがとても上手だった。

You can see this at work in my images.

私の画像を見れば、このことがよくわかるだろう。

Here's a photo from when I first got started in my studio about 15 years ago now.

今から15年ほど前、スタジオを始めたばかりの頃の写真だ。

And here's a portrait that I took just before I wrapped it up during the COVID thing.

そして、これはCOVIDの件でラップする直前に撮ったポートレートだ。

Which of these is more authentic?

どちらが本物か？

Which of these feels like it's the person?

どれがその人だと感じる？

Now at this point, we've been talking a lot about stillness, but what if you want some energy?

さて、ここまで静寂についてたくさん話してきたが、エネルギーが欲しい場合はどうすればいいのだろう？

What if you want something like that, some dynamic getting in your face?

もし、あなたがそのようなことを望んでいるとしたら？

And we do actually want to make people feel something through using composition.

そして、私たちは実際に構図を使って人々に何かを感じてもらいたいと思っている。

Well, that's where we're going to turn to Hugh Hodlett.

さて、そこでヒュー・ホドレットに話を聞こう。

How much different do these pictures feel to the work of Stephen Shaw?

これらの写真はスティーブン・ショウの作品とどの程度違うと感じますか？

It's night and day.

昼夜逆転だ。

These have a dynamic feel to them, not just because it's the wide angle lenses and the light, but because Hugh has that other ability that comes with connection, that is to be part of something.

広角レンズや光のせいだけでなく、ヒューにはつながりに付随する別の能力、つまり何かの一部となる能力があるからだ。

I mentioned that I didn't really get Stephen Shaw or Mary and Mark's work when I first saw it.

スティーブン・ショウやメアリーとマークの作品を最初に見たときは、あまりピンと来なかったと書いた。

It's because I wasn't experienced enough.

経験が足りなかったからだ。

But as soon as I saw Hugh's work, I was like, man, I get it completely.

でも、ヒューの作品を見たとたん、完全に理解できたよ。

He is part of this.

彼もその一員だ。

The photographs feel immediate.

写真には即時性が感じられる。

We feel like we are part of the scene.

私たちは自分たちがシーンの一部であると感じている。

That's what I love about his work, right?

それが彼の作品の好きなところなんだ。

It makes me feel like it's the 1970s.

まるで1970年代のようだ。

It shows me that he cares about something deeply, and he's connected to it.

それは、彼が何かを深く気にかけていて、それとつながっていることを示している。

I think this is one of the major problems I had as a young photographer, that I was too busy trying to think about the sort of photographer that I'm supposed to be.

これは、私が若い写真家として抱えていた大きな問題のひとつだと思う。私は、自分がどのような写真家になるべきかを考えることに忙しかった。

So I would copy fashions and fads, and whatever was popular, I would go and photograph that.

だからファッションや流行をコピーして、流行っているものは何でもそれを撮りに行った。

How many people now are interested in street photography because they genuinely want to take street photographs, or they just do it because they see everybody else doing it?

今、純粋にストリート写真を撮りたいと思ってストリート写真に興味を持っている人がどれだけいるだろうか。

It's that level of connection that Hugh's bringing to his photographs.

ヒューが彼の写真にもたらすのは、そのレベルのつながりだ。

And I would encourage this with whatever genre that you photograph, find something that you care about, that you want to be involved in.

そして、どんなジャンルの写真を撮るにしても、自分が関心を持っていること、自分が関わりたいと思うことを見つけることを勧めたい。

This is your approach.

これがあなたのやり方だ。

Think about how you can make this feel real.

どうすればリアルに感じられるかを考える。

In Hugh's case, it's the wide angle lens, it's the perspectives, it's being close to people, it's the light, it's that sense of teenage freedom.

ヒューの場合、それは広角レンズであり、視点であり、人々との距離であり、光であり、10代の自由な感覚だ。

So here's my challenge to you.

そこで私からの挑戦だ。

What I'd like you to do is, over the next week or so, take a photograph that connects with one of these three aspects.

これから1週間ほど、この3つの側面のいずれかにつながる写真を撮ってほしい。

The matter-of-fact approach of Stephen Shaw, the ability to build trust, to let your subjects be themselves, like Marilyn Mark had, or to capture something you feel passionate about and communicate that passion through the image.

スティーブン・ショウの淡々としたアプローチ、信頼関係を築く能力、マリリン・マークのように被写体をありのままにさせること、あるいは情熱を感じるものを撮影し、その情熱を画像を通して伝えること。

I put a link in the description box below to a picture folder, upload your images in there, and I'd love to see what you come up with.

下の説明欄に画像フォルダへのリンクを貼っておくから、そこに画像をアップロードしてくれ。

So at the beginning of the video, I said which of these two images is most likely to stick with you.

ビデオの冒頭で、私はこの2つのイメージのうちどちらがあなたの心に残りやすいか、と言った。

For me, it's that Stephen Shaw one.

私にとっては、スティーブン・ショウのものだ。

And I think you probably know why now.

その理由はもうお分かりだろう。

Anyway, thanks for watching.

とにかく、見てくれてありがとう。

If you want to check out more of Hugh Holland's amazing skateboard photographs, here they are.

ヒュー・ホーランドの素晴らしいスケートボード写真をもっとご覧になりたい方は、こちらをどうぞ。

Thanks so much.

本当にありがとう。

I'll see you again soon.

またすぐに会おう。