Even if you've never heard of the bands featured,

たとえそのバンドを知らなくても、

you'd probably be able to guess what kind of music they play.

どんな音楽か想像がつくでしょう。

This style has become synonymous with the psychedelic '60s.

このスタイルは60年代のサイケデリックの代名詞となっています。

But these abstract forms, and curly, barely legible lettering—

しかし、この抽象的なフォルム、巻き毛でほとんど読めないレタリング......。

they weren't created in the 1960s.

1960年代に作られたものではありません。

They came from a celebrated art movement—one that started almost a century earlier.

その1世紀前に始まった有名な芸術運動から生まれました。

In the late 1800s, new technology—electrical power, telephones, cars—

1800年代後半、新しい技術-電力、電話、自動車-が登場しました。

was changing the way the world worked. And the way it looked.

世界の仕組みを変えつつありました。そしてその姿も。

And some people, especially artists, living through this technological revolution were not so into all the new industry.

そして、この技術革命を生き抜いてきた一部の人々、特に芸術家たちは、新しい産業すべてにあまり興味を示しませんでした。

To be blunt, they thought it was ugly.

はっきり言って、彼らはそれを醜いと思っていました。

Out of this conflict, a new global artistic movement was born.

この対立から、新しい世界的な芸術運動が生まれました。

One that went by many different names.

いろいろな名前で呼ばれていました。

Like the Secessionists in Austria and the Glasgow school in Scotland.

オーストリアの分離派やスコットランドのグラスゴー派のように。

But you might know it as: Art Nouveau, which literally means "new art" in French.

しかし、アール・ヌーヴォーとしてご存知の方も多いでしょう： フランス語で「新しい芸術」を意味します。

Its creators wanted to make art that reflected the vibrancy of city life.

クリエイターたちは、都市生活の活気を反映したアートを作りたかったのです。

They used flat, decorative patterns,

平面的で装飾的なパターンを用いて、

feminine figures, and organic and plant motifs,

女性的な人物や有機的な植物モチーフ、

often stylized with fluid, abstract forms.

流動的で抽象的なフォルムで様式化されていることが多いです。

And they applied this new visual language to just about everything, from architecture to paintings to textiles and beyond,

建築から絵画、テキスタイルに至るまで、彼らはこの新しい視覚言語をあらゆるものに応用しました、

because they believed that aesthetics should go hand in hand with utility,

というのも、彼らは美学と実用性は両立するもので

and no object was too mundane to be beautiful.

どんなものでも、平凡すぎて美しくないということはないと信じていたからです。

Like this entrance to the Paris subway.

パリの地下鉄の入り口のように。

Or these posters by Alphonse Mucha advertising champagne and biscuits, which are just as much about being beautiful as they are about conveying information.

また、アルフォンス・ミュシャによるシャンパンやビスケットの広告ポスターは、情報を伝えるだけでなく、美しさにもこだわっています。

Okay, back to the hippies.

さて、ヒッピーに話を戻しましょう。

Like the late 1800s, the 1960s were a time of cultural upheaval.

1800年代後半と同様、1960年代も文化の激動の時代でした。

–The Vietnam struggle goes on. –We want the Beatles! –The Beatles, everybody!

-ベトナム闘争が続きます。-ビートルズが欲しい！-ビートルズだ、みんな！

In the US, the epicenter of this change was San Francisco, where hundreds of thousands of young people descended upon the city.

アメリカでは、この変化の震源地はサンフランシスコであり、何十万人もの若者たちが街に押し寄せました。

For things like protests, and drum circles,

抗議活動やドラムサークルなどのために、

and of course, concerts.

もちろんコンサートにも。

Lots and lots and lots of concerts.

たくさんのたくさんのコンサート。

Particularly dance concerts, featuring trippy, psychedelic music from bands like Jefferson Airplane and the Grateful Dead.

特にジェファーソン・エアプレインやグレイトフル・デッドなどのサイケデリック・ミュージックを中心としたダンス・コンサートです。

And there was one major way to get people to come to your concert: a good poster.

そして、コンサートに来てもらうための主要な方法がひとつありました。

Back then, these now iconic bands were just starting out, playing back to back shows at venues like the Fillmore and the Avalon.

その頃、今や代表的なバンドとなった彼らはまだ駆け出しで、フィルモアやアヴァロンのような会場で何度も公演を行っていました。

And to advertise this new generation of hippie bands,

そしてこの新世代のヒッピーバンドを宣伝するために

those venues knew that plain typeface and a grayscale photo just wasn't going to cut it.

"ヒッピー "と呼ばれる新世代のバンドを宣伝するためには、平凡な書体やグレースケールの写真では不十分だったのです。

So they commissioned work from a small group of artists, who developed a brand-new formula for concert posters.

そこで、彼らは少人数のアーティストに仕事を依頼し、コンサートポスターのまったく新しい方式を開発しました。

One that pulled from a variety of established design traditions—comic books, surrealism, and, of course, Art Nouveau.

漫画、シュールレアリスム、そしてもちろんアールヌーボーなど、様々な伝統的なデザインから取り入れたものです。

By the mid-60s, Art Nouveau was already experiencing a bit of a resurgence.

60年代半ばには、アール・ヌーヴォーはすでにちょっとした復活を遂げていました。

Especially when it came to textiles — dynamic, floral designs were a natural fit for the hippie aesthetic.

特にテキスタイルに関しては、ダイナミックでフローラルなデザインはヒッピーの美学に自然にフィットしました。

Which is probably why in 1965, a museum just outside of San Francisco launched this exhibit.

だから1965年、サンフランシスコ郊外の美術館がこのような展示を始めたのでしょう。

Legend says this is where some of those designers were first exposed to Art Nouveau.

アール・ヌーヴォーに初めて触れたデザイナーの何人かは、ここでアール・ヌーヴォーに触れたという伝説があります。

One designer, Wes Wilson, told Time Magazine that he admired their "idea of really putting it out there."

デザイナーの1人、ウェス・ウィルソンは、タイム誌の取材に対し、彼らの "本当に外に出すというアイデア "に感服したと語っています。

And when they started making new concert posters, these designers took those Art Nouveau staples and turned the dial up.

そして、新しいコンサートポスターを作り始めたとき、これらのデザイナーはアールヌーボーの定番を取り入れ、ダイヤルを上げました。

Art Nouveau is famous for its feminine figures—most often nude, with flowing hair, and a "come hither" glance.

アール・ヌーボーは女性像で有名だが、その多くは裸体で、流れるような髪と "こっちへおいで "と言わんばかりの視線を持っています。

A style the psychedelic designers clearly picked up on.

サイケデリックデザイナーが取り入れたスタイルです。

Look at the way these posters are covered edge to edge with detailed, two dimensional illustrations.

ポスターの端から端まで、二次元的なイラストで埋め尽くされています。

Particularly flowers, and abstract curves, and also peacocks—that's an Art Nouveau thing, too.

特に花や抽象的な曲線、孔雀はアールヌーボーのものです。

They loved peacocks.

クジャクが好きでした。

And sometimes, psychedelic designers would use images pulled directly from an Art Nouveau poster, but always with a radically different color palette.

サイケデリックなデザイナーは、アールヌーボーのポスターから直接イメージを引用することもありましたが、常に根本的に異なるカラーパレットを使っていました。

Instead of Art Nouveau's soft pastels, these artists opted for intense, high-contrast colors, said to make your eyes "vibrate", a reference to the "visual experiences of an LSD tripper."

アール・ヌーヴォーのソフトなパステルの代わりに、これらのアーティストたちは強烈でコントラストの強い色彩を選びました。

And that curly, cloudy, barely legible font?

あの濁ったフォントは？

It started here....on a 1902 poster by Austrian designer Alfred Roller.

オーストリアのデザイナー、アルフレッド・ローラーによる1902年のポスターから始まりました。

In the 60s, artists adapted the bold, dynamic typeface and pushed it even further—softening its lines and obscuring its edges, making it nearly illegible.

60年代、アーティストたちはこの大胆でダイナミックな書体をさらに推し進め、線を細くし、エッジを不明瞭にすることで、ほとんど判読不可能なものにしました。

Which served a purpose.

それはそれで意味がありました。

It was meant to grab your attention and keep you interested—

観客の注意を引き、興味を持続させるためのもので、

at least for as long as it took to figure out what the poster was trying to tell you.

少なくとも、その投稿者が何を伝えようとしているのか理解するのにかかった時間と同じくらいは。

The result was a ton of posters that looked like Art Nouveau on acid.

その結果、まるで酸を浴びたアールヌーボーのようなポスターが大量に出来上がりました。

As the music of San Francisco spread throughout the world, so did the aesthetic.

サンフランシスコの音楽が世界中に広まるにつれて、美学も広まりました。

In part, because posters are easy to own and reproduce and collect,

ポスターは所有しやすく、複製しやすく、収集しやすいという理由もあり、

with fans sometimes tearing them down immediately after they were put up.

また、ポスターが貼られた直後から、ファンの手によって剥がされることもあります。

The artists behind them even became celebrities in their own right.

アーティストが有名人になることもありました。

A few of them got their own spread in Life Magazine.

何人かはライフ誌の見開きページを飾りました。

The posters they made—their vibrating colors and winding lines—capture the energy of the 1960s.

躍動感あふれる色彩と曲がりくねった線が、1960年代のエネルギーを表現しています。

Just like the Art Nouveau ones represent the late 1800s.

1800年代後半を代表するアールヌーボーのように。

And while these two time periods don't mirror each other perfectly,

そして、この2つの時代は互いに完全には反映されませんが、

both movements were able to create something that captured the feeling of a changing world.

どちらのムーブメントも、変化する世界の感覚を捉えたものを生み出すことができました。

And their art reflected that.

そして彼らの芸術はそれを反映しています。